Cosmopolitan stories

... sur les toits aussi!

2009-06-16T14:36:00.003+02:00

Je disais juste en-dessous qu'il y avait du cinéma hongrois sur la toile... eh bien sur les toits de Paris aussi, puisque l'Institut hongrois de Paris (face à l'Église St Sulpice) programme chaque été des séances en plein air sur le toit de son bâtiment. Petite présentation :

« Cinéma sur le toit » c’est le concept des beaux jours de l’Institut avec des projections de courts et de longs métrages sur les toits du bâtiment à la tombée de la nuit. Les spectateurs sont munis de casques audio et vivent ainsi, dans un calme apparent, des explosions de sensations en tout genre !
Cette année la place est donnée aux cinéastes de l’après 89. Leurs films mettent généralement en scène leur propre génération après la chute du mur et ses répercussions sur la jeunesse hongroise : joies d’une liberté inespérée, d’une sexualité exacerbée mais aussi contradictions et frustrations…
Entrée : 5 € (en cas de pluie, la séance est annulée)

19 juin 2009 à 22h30
I love Budapest d’Ágnes Incze
sous-titré en anglais, 85 minutes

26 juin 2009 à 22h30
The District (Nyócker) d’Áron Gauder et Erik Novák
sous-titrés en français, 90 minutes

3 juillet 2009 à 22h30
Brosse Noire (Fekete kefe) de RolaNd Vranik
sous-titré en anglais, 84 minutes

10 juillet 2009 à 22h30
Avions de papier (Papírrepülõk) de Simon Szabó
sous-titré en anglais, 94 minutes

17 juillet 2009 à 22h30
Une Balle intime (Intim fejlövés) de Péter Szajki
sous-titré en anglais, 73 minutes

Cinéma hongrois sur la toile

2009-06-16T13:15:00.005+02:00

Colonel Redl d'István SZABO

Information de dernière minute, à faire circuler : dans le cadre de la semaine du cinéma hongrois, la Filmothèque du Quartier Latin projette quelques films majeurs, du 19 au 23 juin prochains :

Ouverture vendredi 19 juin à 21h avec la projection de Colonel Redl d'Istvan SZABO

Samedi 20 juin :
> 18H Amour de Karoly MAKK
Dimanche 21 juin :
> 14H Journal intime de Màrta MESZAROS
> 18H Colonel Redl d'István SZABO
Lundi 22 juin :
> 20H Journal intime de Màrta MESZAROS
Mardi 23 juin
> 19H30 Amour de Karoly MAKK
> 21H15 Colonel Redl d'István SZABO

Dear Pyongyang

2009-06-06T23:59:00.007+02:00

J'ai découvert ce petit bijoux documentaire il y a quelques jours, Dear Pyongyang, réalisé par Yong-Hi Yang, une jeune Coréenne née et résidant au Japon.

Pour ceux qui ont eu la chance de le voir, et ceux qui en auront l'occasion, je voudrais dire qu'un passionné a fait le déplacement jusqu'à Berlin pour rencontrer la réalisatrice lors d'un festival. Le résultat est visible par là (lien par lequel on peut également accéder à un article sur le film).

Merci à lui.

Cinéma tchèque sur la toile

2009-06-04T23:45:00.005+02:00

Il suffisait d'en parler!
Pour notre grand plaisir, un festival du cinéma tchèque s'est ouvert hier au Cinéma l'Entrepôt, c'est sa toute première édition.

1989. Il y a 20 ans, la révolution de velours. La République Tchèque devient libre et autonome. Le Cinéma reprend son envol et retrouve une « nouvelle » nouvelle vague, revisitant son art de filmer et les thèmes de société qui agitent le peuple tchèque. 20 ans de cinéma qui font vite parler d’eux hors les frontières avec de nombreux films sélectionnés et primés dans les festivals du monde entier.

20 ans de nouveaux talents, d’œuvres libres, d’émotions, de rire et de pleurs, de beauté, d’art et de culture enfin vraiment populaires.
20 ans aussi d’industrie du cinéma au service d’une cinématographie d’auteurs.
20 ans en 7 films, choisis pour représenter toutes les facettes du 7ème art tchèque. Dont deux destinés au jeune public.

Du début de la révolution de velours à aujourd’hui, des œuvres qui ont marquées les spectateurs tchèques et ceux des autres pays dans lesquels les films ont été projetés.

Réalisateurs, comédiens, techniciens, producteurs tchèque seront présents face au public parisien.

Jusqu'au 9 juin!

Cinémas hors circuits

2009-05-10T16:21:00.005+02:00

Après le succès d’une première édition riche en rencontres et animations autour de l’édition cinématographique indépendante, Cinémas hors circuits repart de plus belle pour une nouvelle édition encore plus copieuse avec la présence d’éditeurs étrangers, des discussions, des projections de films et un service de vidéo à la demande.

SALON DU DVD ET DES ÉDITEURS
INDÉPENDANTS DE CINÉMA
16-17 mai 2009 au Point Ephémère / Paris
Entrée libre

Le support DVD a envahi notre quotidien ; cependant, l’offre est extrêmement limitée dès que l’on a un peu d’exigence en terme de qualité. Que ce soit en boutique, en médiathèque ou en vidéoclub, la présence des éditions indépendantes, pourtant bouillonnantes, est quasi nulle. D’où la nécessité de créer un évènement visant à offrir une véritable vitrine à cette branche de l’édition.

Pour le public, c’est l’occasion de rencontrer ces passionnés du 7e art qui mettent à notre disposition des œuvres rares, ressuscitent des classiques et des auteurs oubliés, qu’elles relèvent de la fiction, du documentaire, de l’animation ou de l’expérimental.

Le Salon désire également renforcer cette mise en avant en organisant diverses animations autour de leurs productions : des discussions sur des questions concernant l’édition indépendante de cinéma, des projections de films édités et présents sur les stands, ainsi qu’un service de vidéo à la demande. Ainsi, cette manifestation unique en son genre rassemblera-t-elle plus de 60 éditeurs - majoritairement de DVD mais aussi de livres, revues et fanzines - reflétant le dynamisme de l’édition indépendante.

Les exposants :
68 Septante (Belgique), Artus Films, AV Prod (Suisse), Bazaar&Co, Blaq Out, Chalet pointu, Choses vues, Cinéma Abattoir (Québec), Cinétrange, Clavis films, Doriane films, Ecart production, ED Distribution, Scope Editions, Épicentre, Filmarmalade (Grande-Bretagne), Index (Autriche), JBA Production, La cathode, La famille digitale, La vie est belle films, L’Arnaqueur, Le chat qui fume, Lowave, Lux (Grande-Bretagne), Malavida, Panik, P.O.M. Films, Potemkine, PPT, Rouge profond, Versus

Le détail du programme (projections, discussions, exposition..) sur le site internet, par ici.

Nouvelle vague tchèque

2009-05-03T14:08:00.003+02:00

Juste pour le plaisir, deux photos du délicieux Les Trains étroitement surveillés, de Jiri Menzel, réalisé en 1966 en Tchécoslovaquie. Belle fable politique, teintée d'humour, de burlesque même parfois.
Ça me fait penser à tous ces trésors du cinéma qu'il me reste encore à découvrir... et ça me donne des frissons!

Hiromi Uehara

2009-04-27T00:28:00.003+02:00

Avez-vous déjà vu des musiciens, sur scène, faire l'amour entre eux en jouant?

Je crois que j'ai vu ça vendredi soir, au Duc des Lombards, avec Hiromi Uehara, une étonnante pianiste de jazz japonaise, de trente ans seulement. Avec son piano, avec ses musiciens (J. Shannon à la guitare, T. Grey à la basse et M. Zottarelli à la batterie), Hiromi semblait transportée par l'ivresse de la passion charnelle. Par la seule puissance des notes. Parfois dans la douceur, d'autres fois dans la crainte, puis dans l'extase, la complicité, le jeu, la tendresse, la sensualité, puis dans l'excitation, un véritable reflet de l'échange amoureux et charnel. Une sensation humaine forte. Avec une énergie incroyable, une générosité énorme dans ce qu'elle donne au public, un caractère brûlant, un sens du groove, et surtout, un sourire si communicatif. Quel moment de grâce, et de vie!
C'était son tout premier concert à Paris, je prie pour qu'elle s'y produise à nouveau, et vous invite à courir la voir!!

La non-demande en mariage

2009-04-07T01:05:00.003+02:00

Ma mie, de grâce, ne mettons
Pas sous la gorge à Cupidon
Sa propre flèche,
Tant d'amoureux l'ont essayé
Qui, de leur bonheur, ont payé
Ce sacrilège...

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

Laissons le champs libre aux oiseaux,
Nous serons tous les deux priso-
nniers sur parole,
Au diable, les maîtresses queux
Qui attachent les coeurs aux queues
Des casseroles!

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

Vénus se fait vieille souvent
Elle perd son latin devant
La lèchefrite
A aucun prix, moi je ne veux
Effeuiller dans le pot-au-feu
La marguerite.

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

On leur ôte bien des attraits,
En dévoilant trop les secrets
De Mélusine.
L'encre des billets doux pâlit
Vite entre les feuillets des li-
vres de cuisine.

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

Il peut sembler de tout repos
De mettre à l'ombre, au fond d'un pot
De confiture,
La jolie pomme défendue,
Mais elle est cuite, elle a perdu
Son goût "nature".

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

De servante n'ai pas besoin,
Et du ménage et de ses soins
Je te dispense...
Qu'en éternelle fiancée,
A la dame de mes pensées
Toujours je pense...

J'ai l'honneur de
Ne pas te demander ta main,
Ne gravons pas
Nos noms au bas
D'un parchemin.

Georges Brassens

naan ou parota?

2009-04-05T15:58:00.007+02:00

Quand on parle de pain indien, on parle tous de Naan. Mais quand on va manger dans le quartier indien de La Chapelle, on se rend compte qu'il existe aussi les Parota (ou Barota). Notons déjà que beaucoup de ces restaurants sont tenus par des Sri Lankais. Et chez eux, le pain s'appelle Parota, la différence avec le Naan n'étant pas que dans le nom :

Le Naan est donc le pain indien. Il est fait avec de la farine et du lait (et beaucoup d'oeufs). Et surtout, il est cuit au four. Ce qui lui donne son aspect doux et moelleux.

Le Parota est le pain sri lankais, fait de farine et d'eau (et moins d'oeufs). Et surtout, il est cuit à la poêle! Ce qui lui donne son côté croustillant et huilé.

Merci à mon cher conseiller/dégustateur du New Madras!

Moullet et Tati par exemple

2009-03-28T19:23:00.003+01:00

Dans la masse d'évènements culturels parisiens qui nous font du nez chaque semaine, même en se limitant qu'aux manifestations cinéma, il est souvent difficile d'y voir clair et surtout de profiter de tout... Alors, dans cette masse, voici deux évènements que j'aimerais conseiller :

Rétrospective :
Luc Moullet, le comique en contrebande
du 17 avril au 30 mai
au Centre Pompidou
avec rencontres, tables rondes, etc

Exposition et rétrospective :
Jacques Tati, deux temps trois mouvements
à partir du 8 avril
à la Cinémathèque française
avec des visites, conférences et ateliers proposés pour explorer les rapports entre sons,
espaces et architectures dans un genre burlesque totalement renouvelé

Y en aurait bien d'autres, mais bon...

Trigran Hamasyan

2009-03-15T16:35:00.003+01:00

Trigran Hamasyan, si jeune, et déjà monstrueux. A 22 ans, le pianiste arménien sort son 3e album. Rien que ça! Les amateurs de jazz le connaissent forcément, il fait parler de lui. J'ai eu le plaisir de l'écouter en live, en quartet, mercredi dernier, et je me souviens encore des vibrations que sa musique procurait. Déviances ryhtmiques incontrolables, habile voyage à travers les genres musicaux et les mélodies arméniennes. Une musique complexe, très écrite, et en même temps nullement intellectuelle, accessible. Je le revois encore se tortillant sur sa chaise, se levant brusquement, au détour d'une accélération de rythme, balançant ses cheveux bouclés comme un guitariste électrique de hard rock, ou encore rapprochant son visage des touches qu'il semble caresser. Un excellent concert!

Joris Ivens à Paris

2009-03-15T10:11:00.002+01:00

Joris Ivens, grand documentariste hollandais, pose un regard sur Paris.

Parcourant le fil de la Seine, la Seine parisienne, avec sa caméra, et sur des textes de Jacques Prévert, Joris Ivens dessine avec poésie, tendresse et réalisme les charmes de la vie parisienne autour du fleuve.

Réalisé en 1957, le film est intitulé La Seine a rencontré Paris. Car lorsque la Seine arrive à Paris, elle rencontre toutes sortes de personnages, des enfants plein de vitalité, des ouvriers fatigués, des amoureux, des plongeurs, des pêcheurs, des musiciens... Elle rencontre aussi Paris sous la pluie, les pavés luisants, Paris ensoleillé, les feuilles des arbres éclatantes de lumière, et Paris venteux, la poussière virevoltante. Elle rencontre aussi l'amour, l'allégresse, la pauvreté, la tristesse, la misère. Tout ce qui fait la vie. Tout ce qui fait Paris.

Le poème de Prévert qui introduit le film :

Qui est là
toujours là dans la ville
et qui pourtant sans cesse arrive
et qui pourtant sans cesse s'en va
C'est un fleuve répond un enfant
un devineur de devinettes.
Et puis l'œil brillant il ajoute
et le fleuve s'appelle la Seine
quand la ville s'appelle Paris
et la Seine c'est comme une personne
des fois elle court elle va très vite
elle presse le pas quand tombe le soir
des fois au printemps elle s'arrête et
vous regarde comme un miroir.
Et elle pleure si vous pleurez
ou sourit pour vous consoler
et toujours elle éclate de rire
quand arrive le soleil d'été...

... Jacques Prévert

J'ai découvert ce film grâce à la rétrospective Joris Ivens organisée par la Cinémathèque (jusqu'au 5 avril). Sinon il est inclus dans le coffret DVD Joris Ivens vol2 édité par Arte Vidéo, et devrait être bientôt visionnable au Forum des images (qui depuis des années constitue la mémoire audiovisuelle de Paris, eh oui!) dans la salle des collections - en fait j'ai vu qu'il n'était pas consultable, mais je pense qu'il doit être en renouvellement de droits.

Cinéma d'Animation

2009-03-04T00:49:00.006+01:00

Le Rendez-vous Cinéma d'Animation qui se tient mensuellement au Forum des images, dont le programme est concocté tantôt par le Forum, tantôt par l'Afca (association française du cinéma d'animation), est souvent l'occasion de faire de belles découvertes du côté de l'animation. Ce soir, la séance (intitulée "Primeurs animées") était dédiée à de récentes productions françaises réalisées en résidence. A défaut de pouvoir diffuser les films directement sur le blog, voici un aperçu, qui j'espère vous donnera envie.

Regarder Oana, de Sébastien Laudenbach
Un réalisateur déjà connu dans le milieu, avec Des Câlins dans la cuisine et Journal.
Ce dernier film mélange plusieurs techniques d'animation,
il est visuellement surprenant, beau, limpide, avec un fond très poétique. Superbe.

L'ondée, de David Coquard-Dassault
Un premier film, et déjà une merveille!
Des dessins qui font penser à Sempé, une atmosphère poétique aussi,
dans une grande sobriété. Très belle bande son aussi.
Je n'ai trouvé que la bande annonce du film :

Arrosez-le bien!, de Christelle Soutif
Un humour grinçant, beaucoup d'idées, un très bon moment!
La aussi, ça n'est que la bande annonce, mais ça donne une idée :

Prochain rendez-vous le mardi 14 avril à 19h!!

Svankmajer

2009-03-02T01:31:00.010+01:00

Jan Svankmajer, grand cinéaste d'animation surréaliste tchèque.
Extrait de Possibilités du dialogue, 2ème partie.
Je trouve la scène érotique du début de l'extrait assez incroyable.

Au pays du Bibimbap

2009-02-28T12:47:00.006+01:00

J'entends déjà certains d'entre vous me dire "Enfin!!".
A force de me faire taper sur les doigts, parce que mon voyage remonte à presque un an maintenant et que je n'ai toujours pas publié mon carnet de voyage, j'ai finalement décidé de le montrer, même s'il n'est pas tout à fait terminé. La balade peut commencer! Le carnet s'étend sur plusieurs pages (2 pour le moment), à regarder dans n'importe quel sens.

Bonne visite, et surtout n'hésitez par à partager vos impressions!

Départ imminent... par ici!

Et je ne remercierai jamais assez Nuno, pour son soutien technique!

Alexandre Trauner

2009-02-22T16:09:00.007+01:00

Information de dernière minute!

J'avais publié sur ce blog des peintures d'Alexandre Trauner, grand décorateur de cinéma (ici, ici et là). Je viens d'apprendre (un peu tard, mais à qui pourra...) qu'une exposition de ses photographies se tient depuis plusieurs jours à l'Institut hongrois de Paris. Reste plus que quelques jours!

"Nous connaissons le travail de décorateur de Trauner puisqu’il a créé de nombreux décors de films pour les plus grands réalisateurs de cinéma. Ses dessins préparatoires (ses maquettes) ont été présentés en Hongrie dans les années 1980, révélant que Trauner ne se contentait pas d’imaginer et de construire des décors mais qu’il poursuivait un cheminement de peintre. Chacune de ses maquettes peut être débarrassée des références filmiques pour exister comme peinture à part entière. Ce cheminement de peintre n’est en rien étonnant puisque Trauner sortait de l’École des beaux-arts de Budapest et que sa venue à Paris avait pour objectif principal celui d’être peintre.

Nous découvrons aujourd’hui une autre facette de son travail : la photographie.

Là non plus il n’y pas d’étonnement, et ce pour plusieurs raisons.

D’abord parce que les amis hongrois, français ou américains de Trauner étaient pour certains photographes, comme Brassaï au début de sa carrière, David Seymour, Inge Morath, Doisneau, Willis, Boubat et Izis, plus tard.

Ensuite parce que la photographie était un outil permettant à Trauner de vérifier la qualité de ses projets en confrontant ses esquisses à la réalité des lieux, des détails architecturaux, des lumières, des perspectives, ou bien de travailler à partir des repérages faits sur place pour accentuer le réalisme de son imaginaire.

Enfin parce que Trauner a pris des photos tout au long de sa vie personnelle ou professionnelle.

Au cours des repérages techniques Trauner laisse libre cours à sa curiosité pour développer sa créativité et c’est là que naît et se confirme un œil de photographe. Cadrages, lumières, scènes de la vie courante deviennent des éléments qui dépassent l’aspect technique ou concret de ce qui existe, pour donner place à une vision personnelle de ce qui l’entoure, à son ressenti.

La même démarche que pour ses maquettes s’impose alors à nous : découvrir au-delà d’une réalité concrète sa vision du monde scandée par de nombreux clichés qui sont le témoignage de son vécu, et de sa sensibilité."

Hôtel du Nord
Photos d’Alexandre Trauner
15 janvier - 28 février 2009
Institut hongrois de Paris / Salon André Kertész

Le siècle du jazz

2009-02-14T13:43:00.007+01:00

Pendant que Banlieues Bleues nous réchauffera les oreilles avec sa programmation jazz (du 6 mars au 10 avril cette année), le musée du Quai Branly nous invite dès le 17 mars à parcourir à travers photographies, affiches, peintures, bandes dessinées et films, la richesse de la relation que le jazz a entretenu avec les autres arts au XXe siècle.

A mon avis ça vaut le détour!

Pour plus de détails sur le parcours : par ici

Interpretation of Harlem Jazz (Winold Reiss, 1925)
© Collection particulière

Life, 1 July 1926 (F.G. Cooper, 1926)
© Collection Philippe Baudoin

Two Musicians (James Weeks, 1960)
© San Francisco, Museum of Art

Affiches allemandes

2009-02-14T09:59:00.006+01:00

Pour continuer sur les affiches, et merci à Seb. pour les découvertes, voici quelques affiches allemandes des années 20, toutes réalisées par l'affichiste Josef Fenneker (1895-1956). J'aime particulièrement ce format à l'horizontal!

Hiroko Govaers

2009-01-20T12:45:00.021+01:00

...ou le cinéma japonais (et ses magnifiques affiches) en France

La Bibliothèque du Film, aujourd'hui revenue dans les murs de la Cinémathèque, regorge de trésors collectés au fil des années et des rencontres, autour de cette passion qu'est le cinéma. Pas toujours exploités, malheureusement. Je crois que l'on ne se rend pas compte de tout ce qui existe dans leur fonds mais qui reste endormi, attendant et espérant qu'un jour, on les regarde, on les apprécie.

Parmi ces trésors insoupçonnables existe une superbe collection d'affiches japonaises. L'hommage que la Cinémathèque a rendu à Madame Kawakita (pionnière des archives cinématographiques au Japon qui contribua hautement à la découverte du cinéma japonais en Occident) en mai 2008 a donné à la BIFI l'occasion de revenir sur le travail passionné et captivant de Hiroko Govaers, autre figure de proue parmi les rares et précieux passeurs du cinéma japonais en France. Un article à lire absolument pour ceux que le sujet intéresse, c'est par ici.

Hiroko Govaers - févier 2006
Photo : © Caroline Maufroid, 2006

Extrait :

Donner autant d’importance aux « petits papiers » qu’aux bobines de pellicule. Telle fut l’une des premières règles de l’esprit de collecte démesuré d’Henri Langlois. « Petits papiers » signifient alors affiches, photographies, matériel publicitaire, correspondances, scripts, maquettes, livres, toutes filmographies confondues. Une collection d’affiches japonaises est ainsi née, grâce, en grande partie, aux dons et dépôts d’Hiroko Govaers, immense figure de la diffusion et de la promotion du cinéma japonais en France, des années 1960 à nos jours.

....par Sébastien Bondetti et Emilie Cauquy de la BIFI

Vous retrouverez la légende des images sur l'article.
Et surtout, cliquez dessus pour mieux les apprécier!
Pourvu qu'un jour on puisse les voir exposées......

Fever

2009-01-20T11:54:00.007+01:00

Le morceau original :

interprété par Little Willie John
1956

Le morceau le plus célèbre :
interprété par Peggy Lee
1958

..........

Et... au hasard des multiples reprises existantes, celle de Beyonce
2007

...un petit voyage dans le temps...

Jacques Tati - hommage

2009-01-07T00:19:00.006+01:00

Enfin enfin. Tati que j'apprécie tant. Une exposition lui sera consacrée, à la Cinémathèque française, du 8 avril au 3 août 2009.

La scénographie, conçue par Macha Makeïeff (Les Films de Mon Oncle), réunira différents types d’œuvres d’art qui, plastiquement, esthétiquement, et philosophiquement, sont proches de l’univers de Tati. Des oeuvres qui interrogent le rapport de la société à l’espace, de la couleur au son, de l’abstraction au réel. L’exposition posera clairement la question des influences en montrant des dessins de Saül Steinberg de Pierre Etaix, des photographies de Robert Doisneau de Willy Ronis, des peintures de Raul Dufy de Paul Klee, des sculptures de César (qui fit une apparition dans Les Vacances de Monsieur Hulot), des meubles de Charlotte Perriand, des installations de Dan Graham, des machines de Jean Tinguély, ou des créations sonores de Pierre Henry…
Ces œuvres seront confrontées à tout ce qui permet de documenter l’univers artistique de Jacques Tati : photographies rares, carnets de gags dessinés de sa main, maquettes, affiches, costumes et enfin des peintures de son ami et collaborateur Jacques Lagrange, qui fut son conseiller artistique jusqu’à Parade. L’interactivité pourra trouver sa place dans ce foisonnement de matière, organisé toutefois avec épure.

Projections, conférences, Lecture, stages, visites contées, ateliers jeune public et catalogue de l’exposition (Editions Naïve) accompagneront cet événement.

Rendez-vous prochainement sur www.taticinematheque.fr
Ou par ici, le dépliant en ligne...

Arthur de Pins

2009-01-03T20:56:00.003+01:00

Géraldine (2000)

La révolution des crabes (2004)

Merci Opi pour la découverte!

Joël Grare

2008-12-10T10:31:00.001+01:00

...de la publicité pour un ami musicien,
un artiste complètement original et magnifiquement sensible...

Cyd Charisse...

2008-12-06T12:31:00.004+01:00

... les plus belles jambes du cinéma

dans The Band Wagon de Vincente Minnelli

dans Singin' in the rain, de Stanley Donen

Premier extrait revu hier au Forum des images, dans la bande annonce du cycle New York qui a commencé hier!

Moriyama Kaiji

2008-12-03T17:16:00.012+01:00

Moriyama Kaiji, un danseur japonais découvert dans les films de ISHII Kastuhito (Taste of tea, Funky Forest), un jeune danseur éblouïssant et hypnotisant, venu pour la première fois en France le week-end dernier, présenter un spectacle à la Maison du Japon. Un grand merci à Tampopo pour ses photos qui en mettent plein la vue autant que le show en live.

Jansem

2008-11-28T12:26:00.002+01:00

Appelez-moi Madame

2008-11-21T15:27:00.010+01:00

Appelez-moi madame, de Françoise Romand.
Voilà bien une petite pépite du cinéma qu’il faut s’empresser de découvrir, car l’occasion nous en est offerte par la sortie récente du dvd, presque 20 ans après la réalisation du film.

Si son résumé peut rappeler les pires sujets télévisés s’intéressant à la vie privée des gens – Dans un petit village normand, un militant communiste, marié et père d’un adolescent, devient transsexuel à 55 ans, aidé par sa femme -, le film de Françoise Romand dépasse très largement l’anecdotique fait divers pour brosser un beau portrait humain, portrait de deux Normandes animées par une vision de la vie peu banale, assumée avec simplicité.

Ovida Delect, anciennement nommé Jean-Pierre Voidies, est filmée dans son village de Normandie, en 1986, cinq ans après être devenue femme. Le film est constitué de témoignages des habitants, de son (ancienne) épouse, de son fils et d’elle-même. Si les habitants sont filmés à la manière d’un micro-trottoir, Ovida, sa compagne Huguette et son fils Jean-Noël le sont toujours de manière plus posée et soigneusement cadrée, chez eux où à l’extérieur. Ovida est un personnage bien évidemment peu commun. Poète et ancien résistant communiste, déporté et torturé par la Gestapo, elle se qualifie aujourd’hui comme poétesse, écrivaine et citoyenne du monde. Devant une caméra évitant tout penchant voyeuriste, et ne dissimulant jamais sa présence, Ovida évoque son enfance, la question de l’identité (avec simplicité, sans tomber dans une plate analyse psychanalytique), ses envies ; elle brille par son niveau de culture et de spiritualité. De ce fait, l’attention qu’elle porte à son style vestimentaire et à son élégance n’a rien de grotesque. On peut d’ailleurs constater que pour l’enfance comme pour la vieillesse, corps féminins et corps masculins se ressemblent, les différences physiques s’estompant avec l’âge. Aussi, mise à part sa voix assez grave, son travestissement physique n’est pas apparent. Sa manière de nous décrire sa vision de la féminité, et sa sensibilité pour le contact du tissu d’une robe, agitée par le vent, sur sa peau, est par exemple étonnante de justesse et de pudeur. Elle sait aussi apprécier la galanterie masculine, sans pour autant tomber dans la caricature de la femme maniérée.

Sa compagne Huguette, magnifique, est peut-être encore plus émouvante. Derrière une personnalité plus effacée, discrète, se cache un être profond, d’une énorme générosité. Tellement sensible qu’elle se laisse facilement rattraper par l’émotion et laisse couler quelques chaudes larmes sur ses joues rondes, aussi rondes qu’on imagine son cœur. Se cache aussi une femme courageuse, confrontée au qu’en dira-t-on et à la réaction de leur fils (qui sera très touché par le film). Elle a toujours eu beaucoup d’admiration pour Ovida, dont le côté féminin l’avait touchée lorsqu’ils s’étaient rencontrés la première fois, un côté féminin et maternel qui remplira en elle le manque dont elle souffrait puisqu’orpheline à cinq ans. Si elle est heureuse aujourd’hui, malgré la transformation de son mari ? Quelque part oui, parce qu’elle l’aura aidé à trouver son bonheur : « Elle est elle-même, c’est important » confie-t-elle à la caméra d’une voix fébrile. Dans une extrême retenue.

Les deux femmes, toutes les deux très belles de manière différente, paraissent tantôt comme un couple (comme dans la scène où elles racontent leur rencontre), tantôt comme deux sœurs, cousines ou amies. Le tout ponctué d’évasions poétiques, portées par les poèmes d’Ovida. Évasion aussi grâce à des moments purement fictifs où Françoise Romand intègre ses personnages (réels) dans une représentation imaginaire et fantasmée. Certains plans sont travaillés comme de véritables tableaux teintés de lyrisme. Venant comme une suspension dans le temps.

A mille lieues de la forme du reportage, Appelez-moi Madame est un pur film de cinéma, avec ses libertés d’écriture, ses choix narratifs et sa manière de mêler la fiction au fait brut. Françoise Romand prend d’ailleurs le soin de nous rappeler par des petits signes que nous sommes devant une œuvre mise en scène, et non devant de la téléréalité où l’on essaierait de gommer à tout prix la présence de la caméra. Non, ici le dispositif formel cinématographique est pleinement assumé, supposé et parfois montré, ce qui permet une distanciation et donc une réflexion sur ce que voit le spectateur. L’amusant générique de fin est à ce titre un bel exemple de volonté de dévoiler le simulacre : les membres de l’équipe technique, au fur et à mesure que leur nom apparait à l’écran, entrent dans le cadre pour venir embrasser Ovida qui les attend.

Ce jeu de mise en abîme est poussé tellement loin qu'Ovida raconte face caméra la manière dont elle aimerait se représenter à l’image, décrivant le fantasme d’une femme en robe de mariée courant sur la plage, que Françoise Romand mettra en scène et insèrera dans le film, monté au ralenti et accompagné d’une voix clamant un de ses poèmes commençant par « Et si j’étais une muse… », comme une ponctuation onirique régulière dans le film. Une manière peut-être inconsciente mais combien intéressante de questionner le pouvoir du cinéma et sa capacité à "réaliser" des fantasmes, en faisant intervenir la fiction dans le réel. Une manière aussi de jouer sur la participation de son sujet (Ovida) dans le processus de création, dépassant ainsi les limites traditionnelles du documentaire qui réduit le sujet au seul statut d’acteur.

Ce parti-pris de faire participer Ovida à l’écriture du film semblait, aux yeux de la cinéaste, un moyen plus juste et plus fort de raconter le personnage, comparé à des questions de journalistes qui essaieraient de faire cracher le morceau, faisant apparaître leur propre jugement dans la manière de diriger les questions. Et si cela peut paraître évident, c’est tellement peu de le rappeler, à l’heure où le reportage ultra réaliste envahi la télévision.

Après un premier long-métrage, Mix-Up, qui prenait comme histoire de départ deux familles anglaises dont les bébés avaient été échangés à la maternité, Françoise Romand revient avec Appelez-moi Madame sur la question de l’identité, qu’elle poursuivra avec Thème-je, film pour lequel elle décide de tourner la caméra cette fois sur elle. Appelez-moi Madame est un film bien singulier, porté par une réflexion plus discrète mais tout aussi forte sur le bonheur. Sur l’amour aussi bien sûr. L’amour au sens profond (Ovida dit son énervement face à cette tendance générale de vouloir penser son cas sur le plan sexuel). Avec de la pudeur et beaucoup de respect pour ses personnages.

Une réflexion finalement assez osée, en 1986, époque où la transsexualité était encore tabou. Ce qui explique, selon la cinéaste, le mauvais accueil de la critique de l’époque. Mais le film revoit le jour aujourd’hui, en dvd, et Françoise Romand est curieuse de voir la réaction du public en 2008. Nous lui souhaitons la plus grande reconnaissance.

DVD édité par Doriane Films et Alibi Productions
Sortie en France le 17 novembre 2008

Le Forum des images!

2008-11-20T12:59:00.006+01:00

Ça y est, enfin! Après presque trois ans de fermeture pour travaux, le Forum des images, ce lieu de cinéma génial et chaleureux où l'on pouvait passer voir un film, traîner un peu plus pour consulter son fonds audiovisuel parisien, flâner encore pour rencontrer des cinéastes, découvrir des films inédits lors de festivals tous aussi différents les uns que les autres, ce Forum des images réintègre enfin ses murs en décembre et rouvre ses portes au public dès le 5 décembre prochain avec trois jours portes ouvertes! Nouveaux murs, nouveau site internet, et une programmation enrichie!

Les cycles thématiques qui faisaient une des particularités du Forum seront toujours au rendez-vous, avec en ouverture un beau portrait de New-York sur trois mois, composé de films emblématiques, des classiques comme des inédits. Les prochains thèmes : Le Désir, Vengeance! et La Parole.

Toujours beaucoup de rendez-vous divers, avec des Menus courts (en partenariat avec l'Agence du film court), des Nuits fantastiques (en partenariat avec l'Ecran fantastique), des rendez-vous autour du Cinéma d'Animation (en partenariat avec l'Afca), des séances Collections (diffusant les films des collections du Forum des images), les Avant-premières Positif, et des rendez-vous pour les Jeunes parents (qui viendront voir un film avec leur(s) tout(s) petit(s)).

Une nouvelle section Académie, portée par une démarche plus pédagogique, avec des Cours de cinéma (animés par différents professionnels du cinéma), des Master Class (invitant des cinéastes renommés), une Malle aux trésors (proposant à Bertrand Tavernier de partager ses coups de cœur, ses souvenirs, son savoir, au gré des pépites de sa dvdthèque), ainsi que les Caméras Subjectives de l'Université Panthéon Sorbonne.

N'oublions surtout pas ce qui fait la raison d'être de cette institution, la salle des collections (anciennement appelée "salle de consultation") où l'on peut découvrir, grâce à un système documentaire élaboré et des jeux interactifs pour enfants, un fonds colossale de films parisiens, constituant une véritable mémoire audiovisuelle de Paris, et visionner sur place une bonne partie d'entre eux.

Pour ceux qui ne connaissaient pas encore, le Forum des images est situé en plein cœur de Paris, dans le forum des Halles (place Carrée), dans une allée aujourd'hui nommée "Rue du Cinéma". J'en profite pour préciser que la bibliothèque du cinéma François Truffaut, à l'origine située dans la bibliothèque André Malraux de la rue de Rennes, déménage et vient s'installer aux côtés du Forum.

A découvrir tout de suite, le nouveau site internet.
Rendez-vous donc début décembre pour encore plus de cinéma!!

La Mélodie de l'ombre

2008-11-19T15:03:00.003+01:00

C'est un rendez-vous tout particulier que nous propose le Forum des images avec sa première séance cinéma d'animation qui se tiendra le 9 décembre prochain à 19h. Plus qu'une séance de cinéma, plus qu'un ciné-concert, c'est un véritable spectacle, qui s'inspire directement de la tradition des benshi, ces conteurs japonais qui, accompagnés de musiciens, commentaient les films pendant leur projection à l'époque du cinéma muet.

Le spectacle s'appelle La Mélodie de l'ombre, il est écrit et mis en scène par la compagnie Ribac/Schwabe qui orchestre une animation visuelle et sonore autour d'une dizaine de courts métrages d'animation japonais (+ un allemand) de la première moitié du XXe siècle (dont le célèbre Noburo Ofuji) pour mieux les faire revivre. Avec François Ribac à la composition et Eva Schwabe à la narration, accompagnés de la fanfare "Le Snob".

Une occasion rêvée de découvrir quelques films des pionniers du cinéma d'animation japonais, aujourd'hui reconnu comme l'un des plus prolifiques et novateurs du milieu. Des films rares et inédits en France!

Imamura sur la toile

2008-11-05T14:12:00.005+01:00

Très bonne nouvelle du côté du cinéma japonais : un hommage est rendu au génial Shohei Imamura par le Musée Guimet, du 12 novembre au 30 janvier 09.
"Digne héritier de Mizoguchi, il a porté sur la société japonaise un regard clinique dénué de concessions, offrant la part belle au petit peuple, non sans un certain cynisme souvent teinté d’humour noir. Deux fois Palme d’or à Cannes, c’est à ce réalisateur emblématique de la nouvelle vague japonaise, ancien assistant d’Ozu, que nous rendrons hommage à travers sept chefs-d’œuvre dont la célèbre Ballade de Narayama et l’étonnant documentaire L’histoire du Japon racontée par une hôtesse de bar…"

Seront présentés :
12/11 : Désir Meurtrier
17/11 : Profonds Désir des dieux
26/11 : L’évaporation de l’homme - une critique
04/12 : L’histoire du Japon racontée par une hôtesse de bar
08/12 : La ballade de Narayama
17/12 : Pluie Noire
21/01 : L’Anguille
23/01 : Docteur Akagi
30/01 : De l’eau tiède sous un pont rouge

Même si une rétrospective Imamura est toujours un évènement réjouissant, on regrettera néanmoins le fait qu'il n'y ait qu'une séance par film, et surtout que les séances soient à une heure fixe, quasi inaccessible : 12h15...!

Profonds désirs des dieux

Téléchargez le programme complet sur le site du musée...

Momo no ki

2008-10-31T01:43:00.009+01:00

Récent de 2/3 ans, le discret mais incontournable restaurant Momo no ki a voulu se faire spécialiste du tonkatsu, ces escalopes de porc panées à la mode japonaise.
Situé dans le passage Choiseul, en plein quartier japonais, le restaurant se présente sur deux étages, dont la surface est petite mais lumineuse grâce aux grandes vitres qui donnent sur le passage. La décoration est sobre et accueillante, y faire un saut pour un déjeuner (ah oui, parce que le restaurant n'est ouvert que le midi) nous fait passer un agréable moment. Les serveuses sont particulièrement douces et gentilles, et la cuisine est bonne.
Momo no ki (littéralement "l'arbre de la pêche", donc "le pêcher") propose des formules à 10/12 euros, raisonnable donc. Le tonkatsu est très populaire au Japon. Quand c'est réussi (et là c'est le cas), la viande doit être tendre, et la panure fine et croustillante. Pour ceux qui découvrent, je conseille vivement le curry au porc pané!! Un délice indicible.

Merci Alban pour la découverte!

Momo no ki
68 Passage Choiseul
75002 Paris
0142964837

L'Homme sans talent

2008-10-24T18:27:00.007+02:00

Yoshiharu Tsuge n'est pas très connu en France, il a pourtant une place considérable dans l'histoire de la bande dessinée au Japon. C'est dans les années 60 qu'il bouscule les règles classiques du manga japonais, en expérimentant une voie plus intimiste et onirique, se faisant plus allusif qu'explicite dans la narration. Il initie également la bande dessinée à ce qui était jusque-là réservé à la littérature, le shishôsetsu, littéralement le roman du moi, autrement dit l'autobiographie, en s'appuyant sur son propre vécu pour raconter des histoires. Dès lors, Tsuge s'impose comme le premier auteur du manga autobiographique, genre dans lequel l'expérience individuelle est au fondement du récit. Il s'intéresse par la suite au récit de voyages, ainsi qu'au territoire de l'inconscient, en puisant notamment dans ses propres rêves, visitant ainsi le surréalisme. Devenant ainsi une figure incontournable du manga d'auteur, certaines de ses œuvres ont également fait l'objet d'adaptation dans d'autres domaines artistiques (comme Neji par le cinéaste Teruo Ishii -1998, ou L'homme sans talent par Naoto Takenaka -1991).

A ce jour, seulement un seul de ses livres a été traduit et édité en France. Il s'agit de L'Homme sans talent, qu'il a dessiné en 1985, vers la fin de sa carrière. Une période assagie où Tsuge s'éloigne du surréalisme pour se rapprocher de la veine réaliste.

C'est l'histoire d'un homme à qui rien ne sourit, une histoire triste, désenchantée (sans jamais tomber dans le larmoyant). Un personnage sensible que la difficulté d'assumer ses responsabilités de mari et père de famille rend presque idiot. Un personnage complexe, et en même temps tellement humain. Je n'en dirai pas plus parce qu'il faut découvrir en image et en dialogue la finesse du regard de Tsuge, qui ne cherche pas à rendre son personnage particulièrement attachant, et qui décrit une société, avec ses pires cruautés, mais aussi ses plus beaux moments de bonté, sans aucune concession. Avec des dessins précis, approchant un réalisme poétique et expressionniste, et des dialogues à couper le souffle, tantôt secs et tranchants, tantôt portés par une certaine tendresse (certainement celle qui, sans qu'on s'en aperçoive, maintient le goût à la vie).

Un exemple de dialogue percutant, entre notre personnage et son fils :

- Pôpa... C'est quoi comme insecte, la larve? - Ha!Ha!Ha! Une larve, eh bien c'est... ... une bestiole qui ne sert absolument à rien... (soudain surpris par la question) Hm? Qui t'a parlé de ça? - C'est maman... Elle dit que t'es une larve... - ... (le visage à la fois choqué, embarrassé et résigné) ... Oui c'est ça. Une larve, c'est une bestiole comme ton papa...

Espérons que les éditeurs français poursuivent la découverte de l'univers de Tsuge, en traduisant d'autres œuvres majeures, celles de sa période des années 60/70, intimistes, profondes et torturées.

Le cinéma coréen sur la toile

2008-10-19T14:08:00.008+02:00

La Filmothèque du quartier latin (en collaboration avec le Centre culturel coréen) présentera, du 22 octobre au 18 novembre, une grande rétrospective du cinéma coréen, brassant les époques et les styles.

"Cette manifestation présente un très large panorama du cinéma coréen des années 1960 à nos jours, à travers 60 films (dont une moitié d’inédits), tournés par les illustres pionniers du cinéma coréen (SIN Sang-ok, KIM Su-yong), les grands maîtres (IM Kwon-taek, LEE Doo-yong, BAE Chang-ho), mais aussi les cinéastes actuellement les plus en vue sur la scène internationale (KIM Ki-duk, HONG Sang-soo, BONG Joon-ho, IM Sang-soo, PARK Chan-wook).
Il s’agit là d’une occasion unique de mesurer, grâce aux 120 projections prévues, l’évolution et la vitalité d’une production cinématographique particulièrement créative, l’une des plus importantes d’Asie."

Deux moments particulièrement forts :
- la venue de l'acteur Choi Min-Sik (Old Boy, Ivre de femmes et de peinture), qui présentera la projection de Old Boy le jeudi 6 novembre à 20h30!
- et celle du cinéaste Im Sang-Soo (Une femme coréenne, Le vieux jardin, The President's Last Bang), qui viendra présenter la version "director's cut", inédite en France, de President's Last Bang le samedi 15 novembre!

Le programme détaillé mis en ligne très prochainement sur le site de la Filmothèque!

Kurosawa dessinateur

2008-10-15T23:56:00.016+02:00

Si Akira Kurosawa peut être considéré comme le cinéaste japonais le plus célèbre, ses talents de dessinateur le sont, eux, beaucoup moins. Ses dessins étaient peut-être difficiles d'accès, en tout cas pour la première fois en France une exposition est consacrée à une partie d'entre eux, au Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris.

Kurosawa s'est toujours servi du dessin, que ce soit sous forme de croquis au crayon ou de dessins plus élaborés et colorés, pour mettre des traits et des formes sur les fruits de son imagination. Il s'en servait comme outil de travail dans son processus de réalisation, comme d'autres le font avec un story-board. Mais certains de ses dessins à lui sont vraiment très beaux, au point qu'ils méritent l'exposition. Les couleurs déjà, éclatantes, lumineuses, profondes. Et puis le mouvement qu'il arrive à reproduire, comme dans ses représentations de hordes de soldats qui donnent réellement à sentir le mouvement des personnages et des drapeaux, on en entendrait presque le son des armures qui s'entrechoquent et celui du piétinement des chevaux impatients. Puis le sens du cadrage (placement des personnages, disposition des décors), très cinématographique. En parcourant les 87 dessins exposés, on remarque aussi un certain sens de la dramaturgie, et des personnages très expressifs. En fait, ce qui interpelle, c'est sa capacité à éclater les limites de la frontalité du support (la feuille de papier) en lui insufflant du mouvement, et une profondeur de champ. Des dessins qui ont une expressivité très cinématographique en somme!
Précision : ne sont présentés que les dessins de sa dernière période : Kagemusha, Ran, Rêves, et Madadayo. On est un peu frustré au début, mais on oublie vite ce manque devant la beauté des dessins exposés. Un catalogue rassemblant ces dessins-là est disponible pour 30 euros, c'est un très beau livre, mais qui ne peut donner à sentir la matière. En effet, avec un mélange de pastel, aquarelle, feutres, stylo-bille et encre, l'aspect plastique de ses dessins contribue largement au dynamisme de ces derniers. Et c'est pour ça qu'il faut aller les voir!

A partir de demain!

Akira Kurosawa, dessins
16 octobre 2008 - 11 janvier 2009
Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
Avenue Winston Churchill 75008 Paris
Ouvert tous les jours de 10h à 18h, sauf les lundis et jours fériés
Nocturne les jeudis jusqu’à 20h
www.petitpalais.paris.fr

Tokyo!

2008-10-15T00:59:00.011+02:00

... par Nathako et Lu

« Tokyo est une cité dotée d’une atmosphère propre, d’un espace singulier. Montrer par le cinéma ce « quelque chose » que possède la ville est excitant en soi. Quelles sont donc les images que l’on peut évoquer de cette ville, si familière et étrangère à la fois, en tant que réalisateur et en tant qu’étranger ? L’impression de vertige que l’on éprouve, un peu comme lorsque tout le monde disparaît d’un coup des rues encombrées de Shibuya… Les mouvements et les expressions des gens sur les passerelles piétonnes qui semblent imperceptiblement sous contrôle… Un chat isolé qui se tient debout dans la petite ruelle d’un quartier silencieux… »

C’est en ces mots que le cinéaste coréen Bong Joong-Ho présente le projet. Le projet d’une sorte de rhapsodie sur Tokyo, composée de trois films, réalisés par trois grandes figures du cinéma : Michel Gondry, Leos Carax et lui-même. Un film aussi composite que la ville, qui sert ici de décor commun. Une fantaisie en trois mouvements dans une capitale qui fascine, absurde, folle mais attachante. Une ville qui est en perpétuel mouvement, qui peut aussi effrayer. Avec, à la plume et aux manettes, trois cinéastes et trois sensibilités très différents, qui ont laissé aller leur imagination dans les dédales de la ville.
Loin de tomber dans le cliché de la capitale tentaculaire fatalement aliénante, Tokyo ! va plus loin en proposant une vision plus nuancée, portée par une note d’optimisme (sauf peut-être pour Carax), en tout cas teintée de beaucoup d’humour et d’ironie. Le tout avec un triple regard souvent très juste, et fin, sur la société, la culture et les Japonais.

***

Interior Design
Michel Gondry

Le film s’ouvre sur une ville pluvieuse et encombrée par les voitures. Une voix masculine raconte l’évolution cauchemardesque et apocalyptique de Tokyo où tous les hommes se transforment petit à petit en mutants. Sur des images décadrées de passants dans les rues, de nuit, sous la pluie, on se croirait dans un pur film de genre. Sauf qu’on se rend compte au bout de quelques minutes que cette voix n’est autre que celle d’un jeune homme qui, au volant de sa voiture, raconte à sa petite amie le scénario de son prochain projet. Eh oui, monsieur veut devenir réalisateur, et pense trouver de bonnes opportunités en venant s’installer à Tokyo. Un doux rêveur, qui pense plus à ses histoires fantastiques qu’aux réalités du quotidien. Justement, tandis que lui concrétise peu à peu ses projets artistiques, laissant sa petite amie s’occuper de choses plus terre à terre, comme la recherche d’appartement, celle-ci se détache progressivement de son entourage et se perd dans de profonds questionnements existentiels. Qui suis-je ? Suis-je utile à la société ? Ai-je de l’ambition et si oui est-elle satisfaite ? Autant de questions qui surviennent dans un moment où elle découvre le fourmillement de la capitale, la solitude, l’absurdité (on repense à la scène de la fourrière, aux visites d’appartements trop petits, perchés dans les airs, en forme de cabine, ou habités par des cafards). Mais au lieu de tomber dans la chronique dépressive, Gondry garde un ton léger et ironique, évitant ainsi le stéréotype de la mégalopole déshumanisante (aussi paradoxale que cela puisse paraître, vu ce qu’elle vit par la suite). La « transformation physique» (que l’on ne dévoilera pas, trop belle pour gâcher la surprise) qu’elle subit à mesure que la solitude la prend est traitée de manière poétiquement fantastique, avec une douce fantaisie qui fait prendre beaucoup de recul avec le tumulte de la ville (et de sa vie). Finalement, si Tokyo est une gigantesque ville remuante où l’on peut facilement perdre ses repères, elle n’en devient pas moins une ville qui regorge de mystères (on pense à l’histoire des fantômes qui vivent entre les immeubles souvent séparés d’un espace très étroit) et de surprises dont l’imaginaire peut se régaler. Une ville aussi où l’on trouve de tout, et des gens qui sortent de la fourmilière (on pense à un des employés de la fourrière, ou au guitariste chez qui elle atterrit).
C’est finalement un regard tendre que pose Gondry sur la ville, avec beaucoup d’humour, exprimant certaines observations très justes et amusantes, comme la scène de l’entretien d’embauche pour une boutique où l’on est jugé sur notre dextérité à faire de beaux emballages papier, où les moments dans le studio de leur amie qui est tellement petit que l’on se bouscule pour y circuler. Un regard tendre, puisqu’aux questions existentielles qu’elle se posait est venue en réponse une solution ironique et ambigüe dans laquelle on aurait envie de se complaire. Avec une légère et mélodieuse bande sonore, et surtout une habileté de la mise en scène remarquable.

***

Merde
Leos Carax

Léos Carax retrouve son acteur fétiche Denis Lavant et lui offre le rôle de Merde, créature des égouts de Tokyo. Merde est un elfe maléfique portant barbe rousse et costume vert. Dans une première séquence qui nous rappelle le célèbre travelling de Mauvais sang, Merde s'attaque aux passants de la métropole, avale billets et chrysanthèmes, entre Dr Jekyll et Mr Hyde. A la palissade photogénique et pictural de Mauvais sang, s’est substitué l’enchaînement des vitrines de magasins dont on retrouve les enseignes partout ailleurs dans le monde ; c’est un tout autre temps, un tout autre espace que nous montre Carax. Pour Denis Lavant, il s’agit une nouvelle fois d’exploiter les potentialités de son corps qu’il recroqueville, qu’il fait se glisser avec agilité dans le labyrinthe des égouts de Tokyo, la grâce et l’horreur réunis dans un même corps. S'ensuivent des scènes de panique, où Merde devient un Godzilla humain et détruit tout sur son passage, où les médias sont diabolisés pour leur penchant manipulateur. Plus tard, les séquences de procès tournent à la caricature : Carax nous montre un peuple très (trop) ordonné et hiérarchisé, sale et peu avenant, pris pour cible par Merde à cause de sa longévité de vie et des yeux des japonais, ressemblant à des sexes de femmes. Pas que ce segment dusse être poétique ou décalé comme les deux autres pour trouver sa cohérence, mais le réalisateur glisse dans la facilité et le glauque en choisissant la mauvaise provocation. Ces détracteurs apprécieront, ceux qui l'aiment se souviendront de jours meilleurs.

***

Shaking Tokyo
Bong Joon-Ho

Depuis plus de dix ans, notre personnage est enfermé chez lui, se limitant au strict minimum vital. Et pour ça, pas besoin d’avoir un contact avec l’extérieur. Pour manger, il suffit de commander des pizzas et attendre qu’elles arrivent chez soi. C’est un hikikomori (composé du verbe hiku : se retirer, et komoru : se recroqueviller), un phénomène malheureusement courant au Japon, la conséquence d’une société trop rigide qui veut tuer l’individualité. A l’école, si t’es différent, tu deviens le souffre douleur. Dans le monde adulte, si tu es différent, on te met en quarantaine et te fait vite comprendre que tu parasites. Alors il y a ceux qui s’enfoncent dans l’extrême marginalité (qui fait une des particularités de la société japonaise, c’est toujours au Japon qu’on trouve les plus « fous de », les "maniacs" comme on les appelle là-bas), d’autres qui quittent le pays, d’autres encore qui se suicident, seul ou en groupe, et enfin ceux qui se coupent totalement de la société en s’enfermant chez eux.
Notre personnage fait partie de cette dernière « catégorie », réduisant son activité humaine au strict minimum. Si Bong Joon-Ho, génial réalisateur de Memories of murder et The Host, débute sa description minutieuse du quotidien de notre personnage de manière sombre et presque glauque, le ton du film penche très vite un sentiment de curiosité et de fascination (sans tomber dans l’admiration aveugle). Bong Joon-Ho dresse en effet un portrait sensible, porté par l’observation de détails : un objet, un filin de lumière, le mouvement d’une figurine dans l’air (qui détermine l’état des choses, calme ou perturbé), l’ordre qui règne dans l’appartement (avec une insistance sur son obsession du rangement). C’est dans cet environnement bien réglé et inébranlable que surgit justement un tremblement de terre, au moment même où la livreuse de pizza venait déposer la commande. Et là, c’est le cataclysme. Pour la première fois depuis plus de dix ans, il croise le regard d’un être humain, pour la première fois quelqu’un lui fait remarquer une erreur dans la perfection de son ordre (une des boîtes à pizzas qu’il superpose chaque jour est à l’envers !), et c’est certainement la première fois qu’il tombe amoureux. Sa vie est toute chamboulée. A tel point que lorsqu’il apprendra par la suite que cette même livreuse a démissionné pour devenir à son tour hikikomori (blasée par la vie en société et fascinée par le mode de vie de notre personnage), il se trouvera dans le dilemme de devoir quitter sa grotte pour se rendre chez elle et l’en dissuader. Cette tentation du passage de l’intérieur vers l’extérieur est un excellent moment du film, donnant suite à une petite série d’absurdités joyeuses (comme le vélo dans les branches), jusqu’à s’apercevoir que les rues sont toutes vides. Les gens, qu’il avait peur de retrouver, ne sont plus dehors, mais tous enfermés chez eux. C’est la fin du monde vue par Bong Joon-Ho, et vécue de plein fouet par notre personnage qui prend conscience de la bêtise de sa condition quasiment clinique. Et comme Gondry dans Interior Design, sans tomber dans le mélodrame alarmant, loin de là, mais plutôt avec beaucoup de recul, de légèreté et d’humour. Ironiquement, il nous montre un tremblement de terre qui symbolise le coup de foudre, qui lui-même symbolise la fin de l’enfermement. Ce qui débutait comme un portrait livide, se termine finalement sur un message d’espoir. Dans une grande simplicité et finesse de la mise en scène, et une photographie reflétant la délicatesse de son regard.

Le film sort demain!

Les dix ans de Carlotta Films

2008-10-04T14:32:00.003+02:00

Impossible d’ignorer le travail passionné de Carlotta Films lorsqu’on aime le cinéma.

Carlotta Films, c’est une société de distribution spécialisée dans les reprises de grands classiques du cinéma, des années 50 à nos jours, avec pas moins de 10 films par an bénéficiant d’un travail rigoureux de restauration, et d’un nouveau matériel de promotion, à l’instar de nouveaux films. C’est en 2002 que la société inaugure son pôle Edition DVD, avec la sortie de Salò ou les 120 journées de Sodome, de Pier Paolo Pasolini. Suivent plus de 1000 titres tenus par une exigence indéniable pour la qualité du son et de l’image, et accompagnés à chaque fois d’un travail de création autour des bonus, privilégiant l’originalité et la pédagogie enrichissant notre point de vue sur les films. Outre les grands classiques, Carlotta Films valorise également, et c’est ce qui rend son travail encore plus attachant, des films que l’on peut considérer comme grands mais qui ne bénéficient pourtant pas d’une diffusion très large. Des films immenses, mais rares. Quel plaisir ce fut de découvrir L’esprit de la ruche, de Victor Erice, sur grand écran. Un auteur et un film dont on entend parler mais qu’on n’arrive pas à voir. Et bientôt arrivera La Harpe de Birmanie, de Kon Ichikawa, ce magnifique film anti-guerre impliquant des soldats japonais à la fin de la seconde guerre mondiale, en Birmanie. Et lorsque Carlotta se penche sur de grands cinéastes, c’est aussi pour éditer leurs films moins connus, le plus souvent inédits.

En somme, l’un des meilleurs éditeurs du marché français actuel.

Cette année, cela fera 10 ans que la société présentait sa première réédition en salle. C’était La Mort aux trousses, d’Alfred Hitchcock. Alors pour fêter l’évènement, Carlotta nous propose de reparcourir avec eux, pendant un mois, leur riche et éclectique filmographie, à travers différentes actions (sortie d'un coffret anniversaire regroupant 10 titres phare de leur catalogue, une opération spéciale sur 20 dvd Collector, la sortie de leur 2 premiers Blu-ray - Casanova de Fellini et Sympathy for the devil de Godard, la ressortie en salle et en copie neuve d'un des chef-d'oeuvre d'Alfred Hitchcock, Fenêtre sur cour), dont une qui m'intéresse plus particulièrement, un festival d'un mois, du 1er au 28 octobre, au cinéma Le Champo, reprenant les titres les plus emblématiques de leur catalogue :

*Accattone * Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia * Avanti! * Blow out * Blue velvet * Bonnie and Clyde * Cinq femmes autour d'Utamaro * Conversation secrète * Cria Cuervos * Dark crystal * Furie * Il était un père * Jason et les Argonautes * L'Esprit de la ruche * L'Ouragan de la vengeance * La Bataille d'Alger * La Fureur de vivre * La Mort aux trousses * La Party * La Porte du paradis * La Société du spectacle * La source thermale d'akitsu * La Vie privée de Sherlock Holmes * Le Casanova de Fellini * Le dernier tango à Paris * Le Désert rouge * Le Mariage de Maria Braun * Le temps des Gitans * Les plaisirs de la chair * Les Vikings * Lili Marleen * Monte là-dessus * Mother India * Raging Bull * Salò ou les 120 journées de Sodome * Voyage au centre de la Terre * West Side Story*

Rendez-vous au Champo!

Killer of Sheep

2008-10-01T11:20:00.006+02:00

Un évènement à ne pas manquer!

Lorsque l'Auditorium du Louvre avait invité l'écrivaine phare Toni Morrison en 2006, sur la thématique "Étranger chez soi", aux multiples résonances tant historiques que contemporaines, et parcourant différentes branches artistiques telles que la littérature, la musique, le cinéma, ou encore les arts plastiques, nous avions eu l'opportunité de découvrir l'œuvre du cinéaste afro-américain Charles Burnett grâce à une rétrospective, inédite en France, qui lui était consacrée.

Charles Burnett, une des figures majeures du cinéma indépendant américain, a développé une œuvre en marge des grandes sociétés de productions hollywoodiennes dont il critique la représentation stéréotypée de la communauté noire.
En 1977, tournant les week-end, sans moyen et avec des acteurs non professionnels, il réalise son premier long métrage, Killer of Sheep, l'histoire de Stan, employé des abattoirs et père de famille au bout du rouleau, qui tente de résister aux tentations de l'argent facile. Une plongée dans le ghetto noir de Watts à Los Angeles, dans les années 70. "A travers ce personnage, Burnett évoque avec lucidité et humanisme l'aliénation et l'indignité qui conduisent la population du ghetto sur la pente de l'autodestruction. Un film au réalisme sensuel." (Le Monde). "La trame sonore, que Burnett qualifie “d’histoire auditive de la musique populaire afroaméricaine”, est une des réussites du film, avec des chansons de Dinah Washington, Etta James, Paul Robeson, Little Walter et Earth Wind and Fire." (Les Films du Paradoxe)
Une vraie perle cinématographique qui a dû attendre 30 ans avant d'être diffusée, mais qui aujourd'hui est classée parmi les 50 films américains les plus importants de l’histoire du cinéma par la Library of Congress de Washington.

Les Films du Paradoxe ressortent aujourd'hui ce film dans deux salles parisiennes (Le Reflet Médicis et l'Entrepôt), l'accompagnant d'une édition dvd!

Tous à la manif

2008-10-01T08:34:00.003+02:00

J'ai découvert ce matin ce court métrage de Laurent Cantet, Tous à la manif (1993), que j'ai beaucoup apprécié. Un groupe de lycéens, remplis d'idéaux politiques et d'énergie, se préparent à une manifestation dans le "café d'en face" où un père (le patron du café) et son fils (qui travaille avec lui) sont confrontés, pour le premier à la naïveté des jeunes, et pour le second à la frustration de ne pas faire partie du groupe.

Le film brosse un constat social réaliste avec beaucoup de sensibilité (le personnage du fils est émouvant et les scènes entre lui et son père sont poignantes), d'ironie (Cantet dénonce avec tendresse la faiblesse des revendications des lycéens qui, somme toute, ne font grève que pour avoir quelques jours de vacances), et de simplicité. Avec, comme dans son dernier film, Entre les murs, des acteurs non professionnels. Très fort.

Paris la belle

2008-09-30T11:06:00.009+02:00

Jacques Prévert... on ne présente plus ce fabuleux auteur qui aura marqué la littérature, le théâtre, et le cinéma français du XXe siècle.

Pourtant, ce n'est que la première fois qu'une grande exposition lui sera consacrée. A partir du 24 octobre prochain, l'hôtel de ville de Paris ouvre effectivement une rétrospective brossant l'ensemble de l'œuvre du poète, présentant ses poèmes, ses pamphlets, ses livres, ses pièces de théâtre, ses collages, et toute son activité cinématographique (connue seulement par les cinéphiles peut-être...?).

Aux manettes, Eugénie Bachelot-Prévert, petite fille et unique héritière de Prévert, et N. T. Binh, critique à Positif, pour un assemblage d'extraits de films, de manuscrits de scénarios, de tapuscrits, de photos de tournages, de dessins, de maquettes de décors et de costumes...
Un bel évènement en perspective!

Les Garçons de la rue
Collage de Jacques Prévert sur une photo de Robert Doisneau

Pour la petite anecdote, Paris la belle (titre de l'exposition) est le titre d'un très beau court métrage poétique réalisé par Marcel Duhamel, Pierre et Jacques Prévert. Les trois amis décident en 1928 de réaliser un film sur Paris, avec comme fil conducteur une femme, la parisienne. Ce film, intitulé Paris Express et réalisé en noir et blanc à la fin du cinéma muet fut oublié, et ce n'est qu'en 1959 que les trois auteurs (retrouvant les éléments grâce à Henri Langlois) pensèrent le reprendre en ajoutant un commentaire (dit par Jacques Prévert) et une musique (de Louis Bessières). Anatole Dauman (Argos Films) leur suggéra d'y intégrer des images en couleurs du Paris "actuel", ce qui donna le film Paris la belle (Prix spécial du Jury -section court-métrage- au festival de Cannes 1960), d'un intérêt documentaire et poétique considérable. Pour les curieux, le film est visionnable dans la salle des collections du Forum des images (réouverture le 5 décembre)!

Hôtel de Ville - Salle St-Jean
5, rue Lobau . 75004 Paris
Du 24 octobre au 28 février 2009
Tous les jours sauf dimanche et jours fériés
De 10h à 19h
Entrée libre

Ma petite entreprise

2008-09-13T14:32:00.008+02:00

Strip Tease - Nouveau PC portable...

Un épisode de l'émission StripTease qui ne dure que 10 minutes
et qui vaut son pesant d'or!! A regarder absolument.

Double Wayne Wang

2008-08-02T14:49:00.014+02:00

... par Gee Wee et Nathako

Deux films, deux regards, deux femmes, deux adaptations de nouvelles de Yiyun Li. C'est un projet intéressant que nous livre Wayne Wang en réunissant deux textes de cette auteur, un exercice de style en même temps qu'un prisme à deux faces.
Les deux films pourraient être compagnons, mais pas inséparables. Même s’ils se font tous deux portraits de femmes chinoises plongées dans la culture américaine, les histoires sont bien différentes et surtout indépendantes.
Il parait néanmoins intéressant de parler des deux films dans un même texte, parce qu’en tant que compagnons justement, les deux films évoquent des questions similaires, comme celle de la liberté, du bonheur, de la famille, de l’appartenance culturelle ou encore de l’attachement.
Diaphana, pour respecter cette unité et ce lien qui rendent les deux films interactifs, sort Un millier d'années de bonnes prières et La princesse du Nebraska le même jour. De quoi passer de l'un à l'autre et mesurer la grande précision du geste filmique de Wayne Wang et son immense sensibilité à capter et cristalliser les relations humaines et les émotions.
Ce qui surprend à la première vision des deux films, c’est la différence de traitement. Le premier est filmé de manière extrêmement statique, tandis que le deuxième est fébrilement dynamique. Des plans fixes et longs (dont certains plans séquences) dans le premier, des plans courts et brefs dans le second. Wayne Wang explique : "En général, mon premier film est bien préparé, précis, avec un scénario très complet. Après l'avoir tourné, j'aime relâcher la pression, suivre mon instinct et improviser quelque chose de moins structuré." Le réalisateur de Smoke et Brooklyn Boogie avait déjà adopté cette démarche pour les films Eat a bowl of tea et Life is cheap but toilet paper is expensive en 1989.

***

Un millier d'années de bonnes prières
M. Shi vient de Chine pour passer quelques temps auprès de sa fille, Yilan, installée dans une petite ville des États-Unis. Intrusion. M. Shi est un vieil homme, ancien communiste engagé, attachant son foulard rouge sur la poignée de sa valise pour mieux la distinguer à l’aéroport. Il semble avoir eu une vie mouvementée, à cause de son activité de militant, et ne semble pas avoir été très présent pour sa fille. Mais aujourd’hui il s’inquiète pour elle, suite au récent divorce de Yilan. Il pense qu’il peut lui venir en aide, ou au moins lui apporter son attention. Mais le temps a creusé le fossé. En arrivant chez elle, dans son appartement, dans sa vie quotidienne, dans son intimité, il se rendra vite compte du décalage sentimental qui les sépare. Malaise dans l’amour, impossibilité de communiquer. Yilan ne manifeste aucun enthousiasme quant à la présence de son père, on a même l’impression qu’elle la subit. Pourtant, la personnalité du vieil homme est touchante. Curieux, toujours prêt à noter un mot de vocabulaire anglais pour mieux s’en souvenir, ouvert vers les autres, drôle, son intrusion dans la vie quotidienne américaine est attachante.
Le rythme du film est à son image, et il ressort de sa vision une sensation de douceur cinématographique, aucun plan n'est heurté, aucun raccord brutal, le rythme général est plutôt lent et épouse parfaitement le regard d'un vieux monsieur dans une bourgade des plus calmes.
Très aisément, malgré ses trois mots d’anglais, il rencontre des personnes et ouvre le dialogue, malgré le choc culturel qu’il prend en pleine figure (nudité des femmes, communication électronisée, négligence pour le petit déjeuner).
L'une des rencontres superbes dans le film est celle entre M. Shi et une dame iranienne qui se retrouvent régulièrement sur un banc, évoquant leur vie et leurs soucis en alternant chinois, des rudiments d'anglais et persan. Ces séquences sont dialoguées avec grande originalité, et expriment beaucoup de justesse quant à la possibilité du dialogue.
Cette forme de communication spontanée et décomplexée, première facette du thème de la (difficulté de) communication, soulèvera vite un contraste avec celle, unilatérale et frustrée, que le père a avec sa fille. Malgré l’attention de M. Shi, Yilan reste comme bloquée par une sorte de rancune. Les seules scènes où les deux corps sont dans le même cadre sont celles des repas. La table est plus que conviviale par son contenu (une multitude de plats chinois passionnément préparés par le père), mais glaciale par l’impossible communication. Un jour, une phrase simple mais poignante se libère : « Quand on est heureux on est pas aussi silencieux ». M. Shi préfère la franchise au renfermement.

Mais le malaise est trop grand, la séparation visuelle, physique et morale se creusent. Le huis-clos devient étouffant, tandis que les séquences en extérieur sont des bouffées d’air. Décalage dans l’âge et la génération, décalage culturel, décalage dans la langue (elle n’aime pas exprimer ses sentiments dans sa langue maternelle qui lui est moins familière), décalage dans les modes de vie… Et la caméra dans tout ça reste au centre, ne préférant ni l’un ni l’autre des personnages, puisque chacun a sa part de responsabilité. Elle regarde, et témoigne de la confrontation permanente, et des tentatives de rapprochement, dans une grande sobriété de style.
Ce qui donne à cette histoire une belle dimension humaine est peut-être ce doux équilibre entre la douleur vécue et une certaine légèreté de ton avec laquelle le personnage de M. Shi est décrit. Un personnage naturel, spontané, et ouvert. Ce décalage avec le drame qu’il vit avec sa fille apporte une agréable touche d’humour, un humour qui fait peut-être finalement les petits bonheurs de la vie.
Il faut noter de plus la grande précision de jeu des deux acteurs Henry O et Faye Yu, tant ils parviennent par non-dits, regards, à rendre saillantes les divergences et les tensions entre les deux personnages. Cette finesse témoigne de la grande sensibilité de Wayne Wang, et finalement de cette légèreté, il ressort une très belle écriture de la différence entre les cultures, de la relation père-fille et des efforts à faire moralement pour affronter et surmonter un passé.
Lorsqu’à la fin le père décide de partir, quelque chose entre temps semble s’être dénoué. Yilan et son père se retrouvent pour une dernière (et vraie) discussion sur un banc semblable à celui sur lequel M. Shi se faisait des amis. Possible réconciliation dans la séparation. Tout est mieux comme ça, suffisait-il juste de le comprendre, l’accepter et le partager.

***

La princesse du Nebraska
On change complètement de contexte avec ce second film, pour retrouver Sasha, jeune étudiante chinoise à Omaha, Nebraska, en séjour à San Francisco avec l'intention d'y avorter. Plus jeune, plus extravertie que Yilan, Wayne Wang ne pouvait pas filmer Sasha de la même façon. San Francisco pose également un contexte urbain fort, imposant, vertigineux peut-être. Le cadre est rempli, le style plus nerveux : peu de plans fixes ou de mouvements lents, montage rapide, proximité des visages et des corps. La ville, le monde n'offre aucun répit à Sasha, pas de banc où s'asseoir et observer sereinement le temps passer, pas de foyer, perte de repères, elle perd elle-même la maîtrise de sa propre vie.
Un peu à la manière de Hou Hsiao Hsien filmant la jeunesse perdue de Taïwan, Wayne Wang filme l’errance versatile de Sasha, dont le mouvement fébrile et incessant porté à la mise en scène ne fait qu’amplifier le vide qui l'entoure et fait surgir la question « mais pour aller où ? ». Sasha n’a pas de famille, pas de véritable ami, ni d’attachement sentimental, si ce n’est celui pour le père de son enfant, resté à Pékin et dont elle n’a plus aucune nouvelle.
Elle, est constamment dans le cadre, reste à l'écran la quasi-totalité du film, isolée du reste du monde. Une première Sasha se révèle, forte, exubérante, provocatrice qui veut répondre aux agressions extérieures et s'affirmer parmi des gens qui ne cherchent pas à la comprendre et qui la jugent. Mais on trouve finalement une Sasha fragile, déboussolée qui, quand elle parvient à s'isoler, révèle une réelle tristesse pour son histoire d'amour et la difficulté de vivre sa grossesse.

Cet unique (et vain) attachement à son amour est sans doute symbolisé par l’enfant pas encore né qu’elle porte en elle, dont l’avortement est à la fois désiré et grande source de remise en question. Garder l’enfant et maintenir un lien avec son pays d’origine, ou s’en détacher et couper ce poids qui la rattachait à la Chine. Choix de vie, choix d’identité, imposés dans une trop grande solitude et trop d’inconscience.
Sasha parvient tout de même, noyée dans ses soucis, à trouver quelques instants précieux où elle peut vivre sa propre histoire, consulter son journal intime, s'observer par le biais de son téléphone portable.
Ces insertions sont une réussite et relèvent l'aspect urbain et moderne du film qui peine parfois à être plus qu'une forme "à la mode". Elles articulent également le film vers quelques vingt dernières minutes portées par la grâce et la beauté de Sasha.
Si sa confrontation avec la gynécologue la met à nu et la force à exprimer la grande complexité de son choix, Sasha apparaît dans une fragilité irrésistible, et porteuse néanmoins d'une force de détermination sans égale. Accompagnés par la superbe chanson Hope There's Someone d'Antony and the Johnsons, les deux derniers plans sur Sasha immobile tiennent du sublime, elle semble s'élever, accomplie, entière, belle.

***

Deux bien beaux portraits de femmes, émigrées chinoises aux États-Unis, seules, cherchant à trouver chacune leur place en équilibre entre deux civilisations que tout sépare.
Si l'on excepte quelques imprécisions dans La princesse du Nebraska, la densité et la précision de la mise en scène de Wayne Wang sont exemplaires, le choix de ses acteurs particulièrement pertinent. Il s'affirme comme un cinéaste de la simplicité et de la douceur.

Des nouilles!

2008-07-13T12:06:00.005+02:00

Une excellente découverte culinaire chinoise dans le quartier des Grands Boulevards : Les Pâtes vivantes. Son nom peut faire penser à un film d'horreur où les pâtes viendraient nous attaquer, mais heureusement pour nous c'est plutôt l'inverse qui se passe lorsqu'on nous sert nos plats. Les nouilles sont donc leur spécialité, la patronne du restaurant les malaxe, les forme et les étire devant nos yeux curieux. En soupe ou en plat, le menu propose de les déguster sous plusieurs formes. Les soupes de nouilles au bœuf (spécialités de Lanzhou) sont délicieuses, la poitrine de porc au wok Sichuan accompagnée de nouilles (que l'on doit mélanger avec) également (assez épicé), et l'été quand il fait chaud il faut prendre les nouilles froides à la sauce sésame et au poulet (épicé aussi), ce plat est vraiment très bon. Les soupes coûtent un peu moins de 10 euros, sinon on s'en sort pour moins de 13 euros de manière générale. Pour le déjeuner le restaurant nous propose deux menus à 12.30 et 11.30 euros.
Etant donné le très jeune âge de ce restaurant (à peine un an je crois), la patronne prend encore le temps de s'assurer que les clients consomment chaque plat comme il se doit, en disant par exemple qu'il faut mélanger tout de suite pour ne pas que les nouilles collent, ou encore ajoutant quelques précisions sur les particularités du plat.
Un vrai plaisir pour le nez et les papilles!

Les Pâtes vivantes
46 rue du Faubourg Montmartre
75009 Paris
01 45 23 10 21
Fermé dimanche et lundi

Séances cinéma

2008-06-28T15:58:00.007+02:00

Voici certains des films que j'ai vus ces derniers jours, pour lesquels je n'ai malheureusement pas le temps d'écrire en ce moment, mais que j'aimerais fortement conseiller ...

Valse avec Bachir, d'Ari Folman

Un film d'animation à la fois splendide (la lumière, le traitement des scènes oniriques, l'atmosphère cauchemardesque) et bouleversant (sur la question de la mémoire liée à la culpabilité), où fiction et documentaire se mêlent de manière très naturelle. Un film marquant.

Eldorado, de Bouli Lanners

Un road-movie belge à la fois drôle, grinçant et émouvant. Avec des personnages bizarres, sortis de nulle part, des paysages et un ciel apocalyptiques, une musique détonante, faisant penser par moment au cinéma de Kaurismaki qui fait se confronter de sombres atmosphères à un humour décalé et un univers musical rock. Surprenant!

Sparrow, de Johnnie To

Magnifique promenade dans un Hong-Kong tout en volume et vertical, à travers une amusante course poursuite entre un quatuor de pickpocket et un joli moineau taïwanais. Beaucoup d'humour, de légèreté et d'énergie dans cette comédie de Johnnie To. Un vrai plaisir.

A Swedish Love Story, de Roy Anderson

Solaris Distribution a bien fait de ressortir le premier long-métrage de Roy Anderson (Chansons du deuxième étage, Nous les vivants), que ce dernier n'a réalisé qu'à 27 ans, car ce film est très beau. Une manière de filmer la jeunesse et ses premiers émois qui peut faire penser à Jean Eustache (Mes petites amoureuses), et une manière de dépeindre le monde adulte suédois complètement grinçante. Très beau.

La Nouvelle vie de M. Horten, de Bent Hamer

Un film norvégien étonnant, qui fait sourire par ses situations complètement incongrues surgissant de nulle part dans une Norvège froide, calme, aseptisée et maussade. Un mélange que j'aime bien! Par le réalisateur de Kitchen Stories et Eggs.

Honoré Daumier

2008-06-15T00:14:00.006+02:00

Quand les trains étaient encore fumeurs...

Honoré Daumier, peintre, sculpteur, caricaturiste et lithographe français (début du 19e siècle), devient vite célèbre grâce à son talent de dessinateur et son impudence à l'égard du monde politique, qui lui vaudra d'ailleurs un emprisonnement (pour avoir représenté le roi Louis-Philippe en Gargantua, avalant l'argent que le peuple produisait chaque jour). A plusieurs reprises, suivant les aléas de la censure, Daumier doit passer de la satire politique à la caricature de mœurs, avec toujours autant de finesse et d'humour, parfois tendre, mais le plus souvent grinçant. Des jupons trop grands des femmes bourgeoises, aux Châtiments de Victor Hugo qui écrasent violemment l'aigle symbole de la royauté, en passant par des avocats trop fiers de leur talent d'orateur, ou par une bouderie conjugale sous un ciel étoilé... Daumier a dressé avec ferveur une caricature passionnante de la vie française du début du 19e siècle.
Une belle série de ses dessins et lithographies est exposée à la BNF (site Richelieu), proposant un bel éventail de ses talents. L'exposition devait se terminer le 8 juin, mais est prolongée jusqu'au 28. C'est le moment d'y aller!

Daumier encore...

2008-06-15T00:07:00.015+02:00

Le Charivari est le journal satirique français fondé en 1832 sous le règne de Louis-Philippe pour lequel Daumier dessinait. Un journal qui ridiculise avec entrain la monarchie de Juillet et la bourgeoisie, et qui fut souvent condamné par les autorités.

Promiscuité dans les transports en commun

Un Français qui fait son autoportrait

"Des dames d'un demi monde, mais n'ayant pas de demi-jupes"

"Entre onze heures et minuit

- Sapristi... voilà un homme qui a l'air bien féroce...
ça doit être un chourineur... et je n'ai pas le moindre poignard!
- Saperlotte... je suis perdu... il est impossible que ce brigand ne soit pas un escarpe...
je donnerais dix ans de la vie de ma femme pour avoir un pistolet!"

"Un jour où l'on ne paye pas... Vingt-cinq degrés de chaleur"

"- Vous avez perdu votre procès c'est vrai...
mais vous avez dû éprouver bien du plaisir à m'entendre plaider"

"Epouvantée de l'héritage"
Une femme pleure les morts de la Commune de Paris (1871)

La Terre rencontre Sphota

2008-06-07T00:24:00.004+02:00

Décidément les séances "Cinéma muet en concert" de l'auditorium du Louvre ne finissent pas de me surprendre par leur qualité. Que ce soit par le choix des films ou par le choix des musiciens. Les 6 et 8 juin est présenté le film d'Alexandre Dovjenko, La Terre, accompagné de la musique de la compagnie Sphota. J'ai été à la fois écrasée par la force, et soulevée par la poésie de cette création. Pendant cette heure de spectacle je n'étais plus ni à Paris, ni en 2008!

La Terre, film incontournable du cinéma soviétique, est étonnant de modernisme. Penser qu'en 1930, alors que le cinéma était encore balbutiant, un artiste ait pu imaginer de tels cadres (je repense par exemple à ces plans où le ciel occupe les 8/10e du cadre, ne laissant que 2/10e à la terre et à un personnage), un tel rythme (quel montage!), un tel culot (critique envers la religion, nudité à l'écran), me laisse pantoise. Avec une grande intensité dramaturgique, Dovjenko raconte les débuts de la collectivisation et de la mécanisation dans un village de paysans ukrainiens. Avec beaucoup de violence et de poésie. Je ne peux oublier ces visages de paysans, aux traits bien marqués par le temps, la rudesse du climat, le travail. Et leurs regards! A la fois effrayants et lumineux. Si ce film est considéré comme l'un des 12 meilleurs films du monde, c'est certainement parce que le cinéaste (d'abord peintre et poète) parvient à tenir un propos fort et profond, tout en travaillant un forme extrêmement fine et expressive. Je repense à la beauté des visages, aux gracieux mouvements des herbes hautes brossées par le vent, à la beauté des pommes dans les arbres et des légumes dans la terre sensuellement mouillés par la pluie et illuminés par un rayon de soleil. Une manière de filmer la mort, la naissance, la vie surtout.

Mais qu'aurait été cette expérience cinématographique sans la présence de la musique de Sphota? Tantôt vibrante, tantôt douce, onirique et parfois funambulesque, la musique composée par le trio de musiciens a apporté une dimension dramaturgique supplémentaire. Pour cette création ils étaient donc trois : Samuel Sighicelli, Benjamin Dupé et Benjamin de la Fuente, mais la compagnie Sphota peut être élargie d'autres musiciens. Fondée en 2000, la "compagnie d'invention musicale" aborde la musique de manière collective, confrontant les musiciens (à la fois improvisateurs, compositeurs et interprètes) et la scène, l'instrument et les nouvelles technologies, la musique et d'autres disciplines artistiques (vidéo, danse, théâtre). Une démarche qui, confrontée à un tel film, pouvait facilement promettre une belle création!

Georges Rousse

2008-06-01T10:57:00.003+02:00

Lorsqu'on regarde les œuvres de Georges Rousse, on est dans le doute permanent. Voyez sur ces trois photos : les deux premières semblent nettement représenter un espace vide sur lequel une forme colorée a été superposée en transparence, de manière virtuelle. La troisième photo quant à elle semble représenter un grenier vide dans lequel un panneau noir et blanc a été déposé à la verticale. Eh bien non. Aucune superposition virtuelle, aucun élément de volume ajouté, seulement un beau trompe l'œil!

Depuis le début des années 80, Georges Rousse sillonne les villes du monde à la recherche de lieux abandonnés, d'usines désaffectées, de bâtiments voués à la démolition. Des lieux hors du temps, marqués par le passé, mais en attente d'un éventuel futur qui les transformera. Le travail de Georges Rousse, à la fois peintre, sculpteur, architecte et photographe, est impressionnant en cela qu'il repousse à l'infini les limites concrètes et réelles de ces espaces. Par un savant jeu d'illusion du volume, il recrée un nouvel espace, de nouvelles lignes de perspectives, découpe l'espace en plusieurs plans, fait exister des formes qui semblent parfois en lévitation, ou juste superposée virtuellement ; tout cela en recouvrant les murs de peinture. Mais cela de manière extrêmement précise et calculée. Ce travail presque scientifique a la force de modifier ou d'annuler la perspective réelle. Le résultat est stupéfiant.

En regardant ces photographies de près, on peut voir les grains de la peinture, lorsqu'on s'approche de très près, on aperçoit la "réalité" du lieu, et de quelle manière la peinture a été déposée sur les murs. On s'imagine que si l'on était dans cet espace, ces formes colorées seraient complètement éclatées. Car ça n'est que par un choix précis de placement (choix d'angle) et par une prise photographique que l'effet se produit, et que les formes prennent forme.

Cette cohabitation volontaire et recherchée du réel et de l'imaginaire dans un même espace permet à l'artiste d'explorer la question du temps, entre marque du passé et ouverture vers le futur. L'intemporalité d'un lieu...

Une exposition lui est consacrée à la Maison de la photographie jusqu'au 8 juin, plus que quelques jours avant la fin!
Plus d'informations sur le site de la Maison, ici...

Rousse encore...

2008-06-01T09:09:00.011+02:00

Et les petites mains de Georges Rousse au travail :

Exposition à la Maison de la photographie à ne pas rater!

Got that swing

2008-05-30T11:21:00.001+02:00

"Musique nègre... Que de fois je me suis levé de mon travail pour l'entendre.. A trois, ils exécutent de véritables morceaux [de] rythme, bizarrement haché de syncopes, qui affole et provoque tous les bondissements de la chair."

Gide, Feuilles de route, 1896

Wax Tailor

2008-05-30T11:00:00.003+02:00

WAX TAILOR au Plan, mardi dernier...
Une superbe soirée bien groovy!

Tadaima!

2008-05-25T23:18:00.007+02:00

Lisbonne. Portugal
Stockholm. Suède
Seoul. Corée

Oui, je me suis permise ce périple un peu fou, sur ces trois derniers mois, valsant d'une culture à une autre, perdant parfois le nord (un jour je ne vois que des blonds, et le lendemain que des cheveux noirs), mais savourant toutes ces découvertes avec beaucoup de curiosité.

Aujourd'hui de retour, la tête pleine d'images, je reprends petit à petit le rythme parisien, et vous concocte tranquillement un carnet de voyage illustré autour de mon séjour coréen. A suivre!

photo Stockholm : Anita

Opera Jawa

2008-04-21T00:32:00.001+02:00

Voilà un film qui sort complètement de l'ordinaire, et qui offre une expérience sensorielle unique. Opéra Jawa, réalisé par l'Indonésien Garin Nugroho, se propose de revisiter un poème ancestral intitulé Ramayana, indien d'origine, contant le déchirement d'un triangle amoureux sur fond de luttes politiques.
Composé de véritables tableaux théâtraux, pourtant pas limités à la frontalité du théâtre mais bien au contraire mis en scène avec toute la richesse du langage cinématographique, le film expose les péripéties du requiem sous forme d'opéra classique indonésien. Les comédiens chantent et dansent tout du long, pas un mot dialogué, accompagnés d'un orchestre traditionnel hors-champ sur presque toute la durée du film.
Du fait de ce rythme musical et surtout de l'omniprésence du chant - remplaçant les dialogues propres au cinéma, j'ai eu un peu de mal les premières minutes à entrer dans le film. Mais très vite, grâce à la beauté de la musique, des décors, de l'extrême grâce de la gestuelle des personnages, et surtout de la créativité picturale, je me suis trouvée complètement hypnotisée. Garin Nugroho travaille son récit de manière très pittoresque, les couleurs sont éclatantes, profondes, les décors à la fois réalistes et complètement imaginaires sont mêlés, au point de nous désarçonner et nous faire perdre nos repères.
Intemporel, onirique, d'une sensualité forte, Opéra Jawa nous plonge dans la culture indonésienne, ses traditions (l'histoire se déroule dans un village), ses tensions politiques, son rapport à la nature et aux esprits, avec un certain lyrisme complètement baroque. Vraiment inattendu et envoûtant.

Godjo

2008-04-20T16:36:00.007+02:00

J'avais goûté à la cuisine éthiopienne seulement en septembre dernier, lors du grand Millenium éthiopien (lire mon billet sur cette soirée ici). Je suis cette fois allée dans un restaurant, et je n'ai pas été déçue! Il s'appelle Godjo, et se trouve dans le 5e, rue de l'Ecole Polytechnique (M° Maubert Mutualité). Une salle confinée, une jolie décoration, bien sûr un peu de musique éthiopienne, et sur la table nous accueille ce joli panier en paille très coloré. Ce sera dedans que nos plats seront servis. Je remarque la beauté des nappes qui sont faites de coton blanc et motifs colorés, comme j'avais remarqué sur les robes éthiopiennes (un coton blanc assez épais particulièrement beau et agréable au toucher). Nous commandons un assortiment de 4 plats (pas donné, 17 euros), que l'on nous sert donc dans ce magnifique récipient, accompagné d'injera, ces fameuses crêpes (consommées comme le pain chez nous) un peu spongieuses et légèrement acides. Attention, pas de couverts sur la table! On prend un morceau d'injera à la main, avec lequel on essaie d'envelopper délicatement un peu de viande, légumes, et sauces, pour ensuite l'emmener vers la bouche et faire le bonheur de notre palais. Plusieurs saveurs, parfois épicées, parfois douces, un délice.

Enfin, que ce soit dans le café ou dans le thé, les Ethiopiens aiment y mettre plein d'épices variées, et le résultat est assez surprenant...

GODJO
8 rue de l'Ecole Polytechnique
75005 Paris
01 40 46 82 21

I hate Buzzcocks

2008-04-19T19:14:00.003+02:00

Les Buzzcocks, c'est l'un des groupes anglais les plus prolifiques de la première vague punk - New wave de la fin des années 70. C'est aussi un groupe qui a bercé mon enfance, dans la voiture avec mes soeurs, nous chantions à tue-tête "Orgasm addict" ou "Noise annoys" ou encore "I hate Buzzcocks", avec des raquettes à la main en guise de guitare, complètement emportées par l'énergie de la musique et la voix distordue de Pete Shelley.

C'était hier que j'ai pu les voir enfin sur scène. Un immense plaisir. Les cheveux gris, le ventre un peu plus rond, Pete Shelley et Steve Diggle n'ont pas perdu une ride musicale. La musique était assez remuante pour emporter les jeunes hommes en cuir assoiffés de pogo et les faire sauter dans tous les sens. Le contraste entre l'énergie de la musique, le déchaînement du public et la tranquillité physique des musiciens (mis à part le jeune et très bon batteur) qui avaient l'air de jeunes papis, était étonnant. Drôle. Surtout que certains dans le public essayaient de reproduire l'impulsivité propre au public punk de l'époque, en se bousculant, en jetant de la bière sur les musiciens, ou en brandissant le poing en criant "Buzzcoooooocks!!". Certains, complètement déchaînés, arrivaient à monter sur la scène et, en passant derrière Pete Shelley, lui faisaient une petite bise sur la tête. Pete Shelley, cet homme d'apparence si simple, venu au Plan en kway, lui qui a joué devant des publics bien plus violents dans les années 70, dégageait encore peut-être bien plus que ce qu'il se pensait capable aujourd'hui finalement. Le décalage était amusant. Le mythe est resté intact. Merci aux Buzzcocks pour ce grand moment!

Yoshida par Carlotta #2

2008-04-19T18:21:00.038+02:00

Coffret n°2 :
Contre le mélodrame, oeuvres complètes de Kijû Yoshida - partie 2 (65-68)

... par Infernalia et Nathako

Mariko Okada et Kijû Yoshida

Au vu du remarquable travail effectué sur la couleur dans Evasion du Japon il paraissait presque logique que Yoshida poursuive dans cette voie toute tracée. Pourtant s’éloignant de cette direction trop évidente son évolution s’exerce dans le formalisme d’un noir et blanc selon une recherche esthétique plus expérimentale et plus influencée par le cinéma occidental de la même période. Les cinq films présentés dans ce deuxième coffret constituent des variations sur le thème unique de la femme : sa quête de l’identité, l’échec de ses aspirations au bonheur et à une égalité de statut, se heurtent à l’archaïsme persistant des rapports entre les sexes. Sa tentative de libération s’opère désormais par des choix qui la mettent à l’écart, voire au banc de la société : adultère, inceste, va-et-vient entre plusieurs soupirants… Paradoxalement l’inspiration du réalisateur présente une différence majeure avec celle de ses opus précédents. S’il reste LE cinéaste de la femme japonaise, il lui assigne la même place de victime que chez Mizoguchi puisque sa soif d’indépendance s’exerce en général en vain. Malgré sa lutte, elle ne pourra jamais s’échapper de la place subalterne que lui dévolue la domination masculin au sein de la société. Théorisant son cinéma, Yoshida s’attache à exprimer par des correspondances formelles la psychologie fracturée de ses personnages. Il décadre magistralement ses plans, jamais « pleins », dissymétriques, et accorde une importance grandissante au vide : il excelle à partager le scope en deux parties. L’une est occupée par un seul visage ou un corps et l’autre reste obscure (souvent totalement noire), cette table rase dans l’espace traduisant la peur du néant et d’être « seul au monde ». Graphisme, volume ou fraction de plan, la géométrie y occupe une place dominante, à l’instar de ces appartements modernes et étouffants aux courbes acérées qui font office de lieux de vie. Le décor et les objets ne cessent d’opposer des obstructions à la continuité de notre regard comme pour signifier tous les obstacles et les doutes de personnages : les visages sont brouillés par des voiles, des ombrelles, des glaces. Les diagonales des plafonds, des escaliers, des murs, des meubles, coupent littéralement l’écran et génèrent une menace constante.
Yoshida peaufine cette déstructuration de l’espace dans un étonnant montage saccadé qui enchaine le champ et le contrechamp, un plan d’ensemble puis un gros plan, un visage éloigné puis qui emplit l’écran, comme une succession de photographies mouvantes. En répétant les plans, en le prenant de face, de côté, de derrière, de près, d’un peu plus près Yoshida semble vouloir adopter tous les angles possibles pour appréhender l’expression du visage en un instant. La caméra tourne énormément autour de ses personnages, les serre, les enserre. Il parvient à une symbiose du langage artistique, de l’abstrait au figuratif en passant par le symbolique.
Le jeu sur la profondeur de champ est de plus en plus élaboré, comme en témoigne cette vision en un même plan dans Flamme et femme de quatre personnages pourtant à distance les uns des autres. Yoshida accorde par ailleurs une importance grandissante à l’espace sonore. Des voix off décalées, désynchronisées du temps de l’action lui font souvent contrepoint et font écho aux décadrages visuels et à la sensation d’éclatement général, fragments envoyées au hasard d’un temps sans chronologie.
L’expérience sonore rappelle parfois la musique contemporaine et anticipe presque sur le cinéma de Lynch. C’est une mélodie atonale au clavecin qui vient souligner ce climat pesant dans Histoire écrite sur de l’eau, ou bien l’importance accordée au silence aux bruits de fond et de l’absence de dialogue dans Le lac des femmes. Ce sont encore les sifflements amplifiés et les bourdonnements lancinants de Passion Ardente, ou bien cette voix féminine stridente semblant faire écho au tumulte de l’héroïne de Flamme et femme.

La deuxième période de l’œuvre de Yoshida dont il est ici question est surprenante tant elle est différente de la première. « Contre le mélodrame », c’est ainsi qu’elle est nommée. La cruauté et le cynisme de son propos sont en effet servis par un style cinématographique radicalement plus froid, plus contenu et moins expansif, éloignant de ce fait les films de toute mièvrerie pouvant tendre au mélodrame. Yoshida travaille et fait évoluer son style, sans concession.
Si une certaine froideur se fait ressentir par une démarche davantage formaliste - opposant le blanc et le noir, les lignes et les rondeurs - elle est également présente par le caractère plus retenu de la mise en scène et des personnages. Plus retenu mais non moins bouillonnant intérieurement. L’agitation physique des personnages des films précédents, presque animale, laisse place maintenant à une certaine rigidité des corps, plus statiques. Cette douloureuse retenue des émotions se traduit souvent par un étouffement, provoquant parfois des explosions, ou menant à des actes extrêmes (inceste, don de son corps à des étrangers…).
L’on peut alors penser que l’intensité de cette introversion des personnages amène aussi le cinéaste à un certain travail poétique de l’onirisme. Chacun des films de cette période contient au moins une séquence onirique qui vient souvent traduire l’obsession enfouie des personnages.

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HISTOIRE ÉCRITE SUR L'EAU
Mizu de kakareta monogatari - 1965 - 120' - nb
avec Mariko Okada, Ruriko Asaoka, Yasunori Irikawa, Isao Yamagata

Histoire écrite sur l’eau (1965) s’attaque au thème de l’inceste sous un angle intégralement symbolique, puisque décrit comme la conséquence ultime au niveau familial d’une conception patriarcale de la société masculine japonaise procédant de la divinisation de la personne impériale : cette étouffante sensation d’emprise sociale guide le héros vers cette fascination de la mère, comme un cocon protecteur dont on ne voudrait jamais sortir. Yoshida privilégie l’ellipse et la suggestion des sous entendus, des troubles ressentis et non formulés et des vides comblés par l’intuition du spectateur.
Histoire écrite sur l’eau nous plonge dans un noir et blanc entre onirisme et abstraction, de l’obscurité à la pénombre, desquelles émergent les formes, des figures qui sortent de l’obscurité en un éclair fugitif de clarté avant d’y rentrer à nouveau. Un visage dans l’ombre, l’autre dans la lumière, la mère lumière fait face au fils ombre. Le film avance au gré des pensées intérieures qui affluent comme des interférences et génèrent un aller-retour entre le présent et le souvenir obsessionnel du passé, et plus particulièrement du trauma enfantin. Au sein de cette emprise sociale subsiste la solitude d’un homme inadapté, face à son destin, et dans lequel l’inceste est montré comme l’aboutissement de sa marginalisation.

Comme pouvait le laisser présager le titre, l’eau y est récurrente, et en particulier le bain comme un acte métaphorique, leitmotiv de l’attirance de l’enfant vers sa mère, de sa symbolique amniotique à sa connotation érotique.
Histoire écrite sur l’eau rappelle beaucoup A travers le miroir de Bergman dans sa manière d’aborder l’inceste, la douleur et la tristesse reliées à l’acte charnel interdit, et cette proximité à ausculter les souffrances muettes de ses personnages, jusqu’au mutisme, voire l’autisme. Le père de la fiancée du héros est aussi l’amant de la mère : les rencontres des amants respectifs sont confondues par l’utilisation étonnante du montage alterné. Comme pour mieux souligner la confusion des sentiments, le spectateur ne sait parfois plus s’il est avec la mère ou la maîtresse, le fils ou l’amant à l’intérieur d’un cinéma qui se fait plus charnel, au plus près de la peau. Avec le magnifique Histoire écrite sur l’eau Yoshida progresse encore dans la justesse de son approche des sentiments humains, mais au bord de cette onde, les sentiments sont de plus en plus asséchés.

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LE LAC DES FEMMES
Onna no mizuumi - 1966 - 102' - nb
Avec Mariko Okada, Shigeru Tsuyuguchi, Tamotsu Hayakawa , Shinsuke Ashida

Adaptation de Kawabata, Le Lac des femmes (1966) marque une nouvelle évolution vers l’érotisation du cinéma de Yoshida, qui tout en restant suggestif, se rapproche encore un peu de la chair, s’attarde à sa blancheur, à ses nuances, à son grain. Des plans sur des draps se font paysage, comme neige sur les corps. Plus encore que le cinéaste de la femme, Yoshida devient le cinéaste d’une seule femme et son art se mue en ode à la gloire de Mariko Okada. A travers l’histoire de cette jeune japonaise malheureuse dans son couple et qui tente de récupérer les photos compromettantes que détient un inconnu maître-chanteur, poussé à la fois par sa perversité et son amour, Le Lac des femmes évoque l’éveil d’une conscience, la libération du joug masculin, reprendre la photo impliquant la repossession du corps, et son affirmation. « C’est mon corps », affirme-t-elle.
Cette sensation de vide et de vertige dans le décor rappelle immanquablement l’univers d’Antonioni. La solitude de l’être au sein du champ visuel vient exprimer celle de son existence. On est à nouveau proche de l’expérimentation formelle d’un Bergman dans la conception d’un cinéma qui met en avant les sens pour traduire l’ennui envahissant.
Malgré la dominance d’un discours subversif qui fustige à la fois le confort bourgeois et l’inégalité des sexes, Le Lac des femmes n’est pas un film réaliste. Les visages se dédoublent, se floutent ou se reflètent dans les miroirs. L’atmosphère somnambulique et le règne de la nuit, avec ses attentes dans les gares, ses errances sur la route ou dans les rues donne parfois au Lac des femmes une allure de cauchemar urbain. Les personnages deviennent des figures abstraites au sein de la ville, offrant parfois des plans subtilement poétiques, comme celui d’un jet d’eau sur le visage de l’héroïne. Un peu comme chez Teshigahara, le paysage humain devient infini. L’horizontalité se confond à la verticalité dans une perspective bouleversée. Le dispositif formel employé pour traduire la vie quotidienne contemporaine vient révéler l’artificialité du sentiment. Pour la première fois, chez Yoshida, le film s’arrête sur un mouvement continu, sur une question, une idée de non-fin et de répétition. Comme une absence d’issue dans cette existence dominée par la monotonie, le refus de conclure se retrouvera dans ses œuvres suivantes.

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PASSION ARDENTE
Joen - 1967- 97' - nb
Avec Mariko Okada, Isao Kimura, Etsushi Takahashi, Shigako Shimegi

Passion ardente (1967) poursuit l’idée d’une conquête identitaire féminine cependant que l’angoisse s’y distille insidieusement.
Mariko Okada incarne une nouvelle fois une femme dans un couple désuni, Oriko, trompée par son mari et à la recherche d’elle-même. Sa rencontre avec un sculpteur, ancien amant d’une mère qu’elle détestait, l’incite à revenir aux sources de son identité et en s’offrant elle aussi à lui, à redécouvrir l’image de la mère après sa mort.
Ici l’esthétique offre parfois des plans proches du surréalisme. L’homme est tout petit dans le paysage, Mariko Okada se dissipe en une silhouette fantomatique errant dans la forêt, ou dans la campagne… L’errance incertaine sur les chemins, dans des jeux sur la lumière de plus en plus élaborés, métaphorise le choix et l’incertitude de cette femme.
Construit en va et vient temporels passé/présent Passion ardente met en scène une héroïne qui semble déplacée, presque anachronique par son attitude, sa pensée, son fonctionnement et ses habitudes vestimentaires bref, étrangère à son monde. Femme de l’ancien Japon, elle ne parvient pas à s’émanciper, mal à l’aise dans la modernité (les amis, les soirées de groupe, les marivaudages), malheureuse, totalement inadaptée. L’adultère se présentera d’autant plus comme un acte de réaction et de transition dans sa vie. Bien que les rapports charnels soient tout d’abord identifiés par la jeune femme à de vrais moments de peur presque similaires à la vision de Polanski dans Répulsion, la libération sexuelle se fait un véritable envol vers l’individualité.
L’éveil d’Oriko procède d’une double rupture tout à la fois sexuelle et sociale. Celle qui à l’origine méprise « ceux d’en bas », se libère de toutes ses inhibitions codifiée. Un peu à la manière de Lady Chatterley et de son garde chasse,. la découverte du charnel constitue la libération d’une bourgeoise frustrée et qui s’ouvre à l’autre à travers la découverte du pulsionnel et du primitif. Aussi le premier « acte », lors d’une extraordinaire scène pleine de violence muette derrière une porte vitrée s’apparente quasiment à un viol.
Se libérer, découvrir son vrai moi c’est également se marginaliser. Yoshida, relie cette libération à l’Art et à la poésie par opposition au conformisme collectif. Et Yoshida de terminer une nouvelle fois son film dans la question et l’attente.

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AMOURS DANS LA NEIGE
Juhyo no yorumeki - 1968 - 97' - nb
Avec Mariko Okada, Isao Kimura, Yukio Ninagawa, Miyoko Akaza

Si Amours dans la neige (1957), est un opus quelque peu mineur dans la filmographie de Yoshida c’est qu’il y poursuit les mêmes thèmes et les explorations formelles sans se renouveler. Cette nouvelle réflexion sur l’amour et sur la femme à travers le parcours de son héroïne partagée entre l’amant qu’elle vient de quitter et son amour pour un homme frappé d’impuissance conduit à une fausse relation triangulaire. Yoshida s’interroge sur la possibilité d’amour sans acte charnel. S’intéresser au non conventionnel, au hors normes sociales et sexuelles.
Il s’attaque très ironiquement à la prétention masculine de sa virilité à travers le personnage de l’ex-amant ; celui-ci ne parvient jamais à assumer et poursuit inlassablement son ancienne maîtresse, ce jusqu’à ce que la jalousie le saisisse devant l’impuissance de son adversaire, puisqu’il en conclut qu’avec lui les échanges n’étaient que charnels. L’étude est intéressante puisqu’elle propose une réflexion sur l’origine de l’attirance des sexes entre les affinités spirituelles et charnelles. L’amour peut-il être aussi désincarné et totalement éthéré ?
Ici le cinéaste souligne le primat de l’homme qui détermine une méconnaissance irréductible de la femme, une incapacité à la comprendre. L’homme perçoit d’office la femme comme une inférieure par nature (moins débrouillarde, moins intelligente). La libération de la femme s’inscrit une nouvelle fois dans un rapport de castes qui la conduit à renier à travers l’évasion de son extraction le carcan qui l’enserre. A nouveau, seul l’homme le plus fragile et le plus modeste présente quelque intérêt (impuissant donc fragilisé, anormal, donc hors de la norme). Mais ici les personnages sont un peu trop artificiellement enfermés dans les valeurs qu’ils incarnent et il n’émane que peu de sympathie dans leurs attitudes, leurs choix, leurs pensées. Après l’eau, Yoshida dresse le constat des amours enneigés, et des âmes qui se perdent dans la froideur et l’immensité blanche.

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FLAMME ET FEMME
Honô to onna - 1967 - 101' - nb
Avec Mariko Okada, Isao Kimura, Mayumi Ogawa, Takeshi Kusaka

Le magistral Flamme et femme (1958) constitue probablement l’apogée de cette période et dans laquelle la beauté formelle s’accorde le plus à la narration, au service d’un propos extrêmement subversif et d’un point de vue qui n’avait jamais atteint une telle cruauté. Il met en scène une jeune femme dont l’enfant est issu d’une insémination artificielle et qui part à la recherche du vrai père. A partir de ce point de départ, Yoshida s’intéresse à la notion de la norme familiale et de ses codes et les fait voler en éclat. A l’instar d’une de ses héroïnes, il étudie l’être humain à la manière d’un ornithologue et file la métaphore de l’oiseau durant tout le film. C’est de mâle et de femelle que Yoshida nous parle, d’une mère et de sa couvée, du rôle biologique qui lui est assigné : « la femelle doit être forte pour assurer la survie de l’espèce ». Derrière, le mâle veille et domine. « Tu es ton père tout craché » affirme les amis, sans savoir que l’enfant n’est pas de lui.
Flamme et femme se construit en bribes de vies assemblées indistinctement ; de flashback en flashback Ritsuko remonte un temps déstructuré, au rythme des souvenirs qui affluent ; ils permettent de comprendre comment la jeune mère a pu en arriver à un tel refus de la situation, quasiment obligée par son mari : de l’ère du couple uni au refus de porter la semence d’un autre en passant par la grossesse. L’insémination est ressentie par elle comme un viol avec la sensation d’avoir servi de contenant, d’objet. Il est rare de montrer la grossesse comme un tel moment de cauchemar, d’angoisse avec aussi peu d’épanouissement, de non désir de l’enfant.
Telle une intrigue de film d’angoisse, Ritsuko tire sa revanche de la femme de sa désormais toute puissance de condition de mère ce qui crée un sentiment d’extrême inconfort voire même de malaise quand émergent ces fantasmes d’infanticide nés d’un ressentiment proche du désir de vengeance. Mais in fine, comme la Rosemary de Polanski, Ritsuko doit faire tout un cheminement avant d’accepter son rôle de mère.
Yoshida questionne la loi biologique et la loi sociale : qu’est ce que la loi du sang ? L’enfant appartient-il à celui qui l’a créé ou à celui qui l’élève ? Qu’appelle t’on des parents ? Tant de thèmes qui n’ont pas perdu de leur force aujourd’hui, mais qui se dote d’une tonalité d’autant plus subversive quand on l’applique à la mentalité japonaise.
Yoshida prend plaisir à perdre le spectateur dans une fusion passé/présent/fantasme/réalité.
Les faux-semblants du présent, apparaissent par la plongée dans le passé. Fantômes non avouables, culpabilité du désir et de la pulsion sexuelle. L’emploi de la surexposition et des éblouissements visuels pour traduire les émotions extrêmes anticipe déjà sur la stylisation d’Eros+Massacre. La façon d’agencer deux visages dans un même plan, son intrication des narrations, des confessions et des non-dits enfin avoués, des abcès douloureusement percé, enfin cette récurrence visuelle d’un jeu de miroirs comme reflet de la quête d’identité rappellent à nouveau Bergman et en particulier Persona au point que Miko Okada finisse parfois par ressembler à une Liv Ullman japonaise.

A l’arrivée, la loi biologique suprême est détruite, la morale l’emporte sur le sang. Ritsuko recrée le lien à rebours avec la procréation artificielle pour que le lien filial soit crée même si à l’arrivée elle fera un choix différent, car pour elle après avoir couché avec le père biologique de son enfant, elle aura pu restituer l’acte sexuel fondateur et offrir à l’enfant l’identité du père réel. Par cette obligation de passer par le charnel Ritsuko peut enfin revenir vers le mari et l’autoriser à élever son fils. Dès lors qu’elle connaît le père elle peut enfin se sentir mère et réintégrer le nid familial.

On a plus que jamais la sensation que l’obsession de Yoshida résulte d’un fantasme d’identification à la femme, d’être elle, de ressentir ce qu’elle ressent, quel est son rapport à son corps, à sa sexualité, quelle est sa souffrance. La femme le fascine, il veut en montrer la beauté mais ne cesse de vouloir en sonder les mystères et tel une mission, de fustiger tous les excès de l’homme. Il est le cinéaste homme fustigeant le danger et l’aliénation du regard masculin. Aussi, le cinéma de Yoshida s’érotise et à mesure qu’il se fait charnel, les sentiments se refroidissent. La deuxième période de Yoshida présente un réalisateur radicalement différent, toujours passionnant, confirme sa vocation d’explorateur de la forme. Il ne cesse d’expérimenter de nouvelles voies et d’employer le cinéma à la recherche de nouveaux langages, mais sans jamais se libérer de ses obsessions sociales et humaines.

La qualité des images et du son est aussi exigeante que dans le premier coffret, tout le travail du noir et blanc s'apprécie à merveille.
Nous retrouvons au début de chaque film une présentation de l’œuvre par le cinéaste lui-même. Carlotta propose également les bandes annonce japonaises des films, qui permettent de voir comment ceux-ci étaient présentés à l’époque de leur sortie, dans leur propre pays.

Ce deuxième coffret contient également un documentaire intitulé Kijû Yoshida : qu’est-ce qu’un cinéaste ?. Il est réalisé par Nicolas Ripoche et dresse le portrait du cinéaste à travers son œuvre cinématographique, avec, à l’appui, des extraits de films et des interviews de critiques et cinéastes japonais et français : Shigehiko Hasumi (historien du cinéma), Shinji Aoyama (cinéaste), Charles Tesson et d’Antoine de Baecque (critiques de cinéma), Jean Douchet et Mathieu Capel (historiens du cinéma), de Yoshida lui-même ainsi que de son épouse Mariko Okada. Une belle bio-filmographie en images qui traverse les quatre grandes périodes artistiques – et personnelles – du cinéaste et apporte quelques clés pour mieux cerner les enjeux et l’évolution de son cinéma.

Et n'oubliez pas que la rétrospective continue au Centre Pompidou!!

Des rires et des larmes

2008-04-18T22:51:00.002+02:00

Parmi les sorties récentes, deux films m'ont particulièrement plu, et semblent présenter beaucoup de similitudes.

D'un côté, Les Larmes de madame Wang, un film chinois surprenant, réalisé par Liu Bingjian. Il avait déjà osé parler d'homosexualité dans son précédent long métrage, Le protégé de Mme Qing, et de ce fait subi la censure chinoise. Son dernier film brosse un étonnant portrait de femme chinoise, entre Pékin et sa province. Une femme qui, de par la dureté de son quotidien, s'est modelé un masque redoutable de femme forte et déterminée. Son dynamisme entraîne un rythme effréné du montage et de la mise en scène. Avec beaucoup de caméra-épaule, le film suit de très près ses mouvements et toute son agitation. Madame Wang est un personnage difficile à cerner, la force de son caractère peut d'un moment à l'autre tomber dans la plus grande fébrilité. Elle n'est pas particulièrement attachante, car le cinéaste n'a fait aucune concession dans sa manière de nous livrer son portrait. Madame Wang se montre parfois cruelle, sans scrupule, nous rappelant à quel point la vie peut être aussi féroce qu'une jungle où la nature ne laisse aucune place aux plus faibles. Elle se défend, même s'il faut pour cela utiliser un enfant pour vendre des dvd sous le manteau. Même s'il faut pour cela profiter de quelques décès pour vendre ses prétendus talents de pleureuse. Même si ce personnage n'est pas particulièrement attachant, il tourbillonne sans cesse, et nous bouleverse.

De l'autre côté, Les Toilettes du pape, un film uruguayen réalisé par Enrique Fernandes et César Charlone, tous deux Uruguayens. Ils se sont intéressé à un moment de l'histoire d'une petite ville frontalière avec le Brésil, Melo, où en 1988 devait venir le pape pour l'honorer de sa bénédiction. En suivant le quotidien de Beto, père d'une petite famille, c'est de la ville et ses habitants dont le film dresse le portrait. Un tendre portrait pourtant abimé par la froideur de la réalité. Car si tous ces habitants pensaient au bien économique que leur apporterait le passage du pape (et des pèlerins), s'ils se sont esquintés les yeux à travailler toutes les nuits précédent son arrivée, les mains à transporter au-delà de leur capacité physique, leurs jambes à vouloir courir plus vite en vélo, tout ça pour être prêts à recevoir les visiteurs et pouvoir leur vendre quelques spécialités et services, la déception sera énorme quand l'évènement se produira. Je ne peux oublier cette scène où le départ des pèlerins laisse place à un vide, appuyé par le vent qui fait tournoyer des déchets sur eux-même, qui fait secouer les nappes des stands qui sont encore plein de produits régionaux faits maison non vendus, où l'on voit les habitants de Melo dévastés par la fatigue, l'excitation qui retombe brutalement (tant de jours et de nuits de travail pour seulement quelques minutes de visite), et frappés par la déception, alors qu'un élargissement du cadre nous les montre sous une grande enseigne peinte pour l'évènement disant "Pape, le monde du travail te salue".

Dans ces deux films, une critique virulente, de la société chinoise d'un côté, et de la religion ainsi que de la situation économique de l'Uruguay de l'autre. Dans ces deux films, des personnages forts, qui ne tiennent pas en place, bouillonnants de détermination, qui vivotent de manière incontrôlable pour ne pas sombrer dans la misère. Et dans ces deux films, une retombée violente de cette énergie à cause d'une belle claque que donne aux personnages la cruauté de la réalité.
Si ces deux cas sont bien éloignés culturellement et géographiquement, les fissures et la fébrilité humaines sont les mêmes.

Première

2008-04-08T12:25:00.004+02:00

Lundi 31 mars dernier, Pérégrinations fut projeté dans la belle et grande salle de la Cinémathèque portugaise à Lisbonne. L'émotion fut grande, je laisse mon co-réalisateur Nuno raconter ce moment mémorable :

Les lumières s'éteignent et mon cœur bat la chamade. Je m'attends à tout — des soupirs d'ennui, des spectateurs qui quittent la salle —, sauf à ce qui va arriver : des rires, des applaudissements en plein milieu de la projection, une ovation au sortir de la salle, des félicitations en pagaille, des sourires, des regards et des mots dont la sincérité continuent encore de m'étonner. La rencontre entre notre film et le public lisboète n'aurait pu être plus parfaite — si ce n'est la qualité assez médiocre de la projection elle-même, passée au second plan grâce à tant d'enthousiastes réactions. La salle de la Cinemateca, presque pleine, n'aurait pu donner plus belle naissance à ce film qui a demandé près de deux ans de gestation et pour lequel Nath et moi avons dû, parfois, lutter bec et ongles. Ça en valait la peine.

Yoshida par Carlotta

2008-03-29T17:53:00.004+01:00

Coffret n.1 :
Une vague nouvelle, oeuvres complètes de Kijû Yoshida - partie 1 (60-64)

... par Infernalia et Nathako

Ne mâchons pas nos mots, la sortie chez Carlotta de l’intégrale Yoshida (2 coffrets ce mois-ci et un autre dans le courant de l’année), en parallèle avec la rétrospective du Centre Georges Pompidou constitue un événement dvd, un événement culturel, un événement tout court à la mesure du choc que procure la découverte de ce maître. Soyons francs, nous ne connaissions de Kijû (Yoshishige) Yoshida que deux de ses films, et c’est une sensation très riche et très étrange que celle d’entrer brusquement en contact avec la totalité d’une œuvre aussi dense, aussi rigoureuse, aussi exigeante et personnelle.
Ce réalisateur est sans doute le représentant le plus caractéristique de la nouvelle vague japonaise des années 60 dans laquelle oeuvrèrent également Oshima – on retrouve un intérêt particulier pour la réalité sociale de son époque et en particulier pour la jeunesse désœuvrée - et Teshigahara – qui partage avec lui un goût pour le clair obscur, une certaine géométrie des plans, des lignes, des volumes qui témoigne d’une fascination pour l’esthétique urbaine. Antonioni dont Yoshida est l’admirateur n’est parfois pas loin, dans cette poétisation de la ville en formes abstraites. Yoshida un cinéaste tout à la fois politique et littéraire (et beaucoup plus expérimental à partir d’Eros + Massacre).

On comprend aisément pourquoi on le considérait comme le plus intellectuel des cinéastes, tant la caméra semble pour lui l’équivalent de l’encre pour l’écrivain. Le cinéaste travaille l’image comme une page, élaborant ses intrigues comme des romans d’apprentissage dans lesquels les héros deviennent les révélateurs de sa vision du monde. Rien d’étonnant à ce que Yoshida puise manifestement son inspiration dans la littérature occidentale. Il y a en effet beaucoup du roman français du 19e Siècle dans la première partie de son œuvre que présente le premier coffret de Carlotta intitulé « Une vague nouvelle ». Il s’y distingue immédiatement par un style qui mêle le réalisme social, le cinéma psychologique, dans un climat à la fois idéaliste et pessimiste.

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BON À RIEN
Rokudenashi - 1960 - 88mn - nb
Avec Masahiro Tsugawa, Hiruzu Takachiho, Yûsuke Kawazu, Junichirô Yamashita

Son premier film, Bon à rien (1960) témoigne d’emblée de son intérêt pour une réalité contemporaine dont le cinéma fait peu de cas à l’époque. A travers ce personnage de mauvais garçon, partagé entre ses aspirations individuelles et sa dépendance au groupe, Yoshida dresse le portrait des laissés-pour-compte d’une société fermée, déchirée et livrée à la loi du plus fort, qui ne concède jamais aux humbles leur place, même lorsqu’ils côtoient les plus riches. Bon à rien souligne la désillusion du Japon de l’après guerre avec l’émergence des formes modernes d’oppression sociale, fondée sur la toute puissance d’une oligarchie économique. Yoshida affirme dès cette première œuvre sa capacité à créer des personnages féminins extrêmement forts qui s’affranchissent des anciens carcans, avec une énergie beaucoup plus rigoureuse que celle des hommes. La soumission aux normes semble avoir résolument changé de camp. la toute puissance économie dominante. Il s’intéresse déjà à l’incommunicabilité des sexes dans laquelle non-dits et sentiments refoulés interdisent la compréhension et le rapprochement des êtres et aboutissent fatalement à l’échec. Tiraillés entre l’ancien et le nouveau Japon, entre nostalgie et rejets, fascination et répulsion, espoirs et déception, les héros semblent incapables de se trouver un statut et une identité, bref, d’accéder à une certaine forme de bonheur.

On peut dire que Yoshida n’y est pas allé de main morte, lorsque la Shôchiku lui demande, en 1960, de réaliser un film sur la jeunesse. Il était alors assistant de Kinoshita, cette proposition lui permît de réaliser son premier long métrage. Son scénario fut fortement porté par la satire sociale, mais qu’importe, les Studios avaient besoin de sang neuf. La jeunesse qu’il y décrit n’est pas des plus belles, elle est plutôt ridiculisée, réduite à l’ennui et à des attractions futiles. Mais Yoshida se réserve de tout penchant manichéen, puisqu’il critique aussi, avec beaucoup d’acidité, le non sens de la vie de salarié bien rangé, et celui de la vie de couple marié, réduisant l’homme au plaisir d’une bière fraîche à son retour du travail et l’épouse aux tâches ménagères et au simple plaisir d’acheter un réfrigérateur. De tous les côtés, la critique fusionne, et ce sans la moindre concession, le personnage à travers lequel Yoshida exprime de l’espoir ne tiendra pas la route.
Déjà, une énergie insaisissable rendue possible grâce à une mise en scène allégée, une caméra mobile, beaucoup d’extérieurs (signes de renouveau par rapport au cinéma plus classique de studio, inspirés par la Nouvelle Vague française notamment). Déjà là, une direction d’acteur précise, je découvre avec vif intérêt l’acteur Masahiro Tsugawa (que l’on retrouvera dans La Fin d’une douce nuit), et je revoie avec grand plaisir Yûsuke Kawazu, qui crevait déjà l’écran dans Conte cruel de la jeunesse de Nagisa Oshima. Déjà dans ce film, une belle maîtrise du cadrage et de la photographie. Je voudrais prendre chaque image du film pour en faire des tableaux photographiques.

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LE SANG SÉCHÉ
Chi wa kawaiteiru - 1960 - 87mn - nb
Avec Keiji Sada, Shinichirô Mikami, Mari Yoshimura, Kaneko Iwasaki

Le sang séché (1961) prend plus l’apparence d’une satire cinglante de son pays dont la charge rappelle parfois La dolce Vita de Fellini. Dans ce récit de la récupération médiatique de la tentative de suicide d’un employé licencié, comme acte ultime de protestation, Yoshida s’attaque de front à la soumission de l’âme japonaise qui asservit l’individu à la loi collective et le dissout dans la masse. Déjà perce le procès d’un certain capitalisme, du règne de l’argent et des mass médias. Le patriotisme supposé du sacrifice emblématique à la nation dans la plus pure tradition maître-esclave qui régnait dans l’Empire du Soleil levant y est tout autant ridiculisé que l’obsession nippone du suicide, comme une antithèse à la position d’un Mishima. D’une virulence étonnante, Le sang séché confine parfois au cynisme et se clôt de manière aussi brutale qu’il a commencé.

Pour son deuxième film, Yoshida ne calme pas son désir d’expression personnelle et engagée. Il se dégage de cette œuvre une froideur sèche générale, due à l’absence d’amour. Lorsqu’il semble y avoir de l’amour, il n’est que faux, pas partagé. Chaque personnage est voué à la solitude la plus dure. Le dicton qui dit que l’homme est un loup pour l’homme est ici rudement illustré, avec aucune once d’espoir, Yoshida peint la grande noirceur de la société japonaise de l’époque, où la manipulation et le paraître sont maîtres. Yoshida, à propos de ce film, a dit vouloir “faire de l’humanisme si répandu une véritable supercherie”. Indéniablement c’est réussi !

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LA FIN D’UNE DOUCE NUIT
Amai yoru no hate - 1961 - 85mn - nb
Avec Masahiro Tsugawa, Michiko Saga, Teruyo Yamagami, Hiroko Sugita

Yoshida traite à nouveau de l’infirmité des sentiments dans la superbe fable cruelle qu’est La fin d’une douce nuit (1961). S’il se réclame ici de l’influence du Rouge et Le noir et de Julien Sorel, c’est encore plus du côté de Balzac qu’il faudrait se pencher ; la symbolique du titre pourrait sonner comme un écho à Illusions perdues. Son héros évoque quant à lui un Rastignac dont la quête d’ambition aboutirait à l’enfer et le rêve d’ascension sociale à une chute de plus en plus vertigineuse. Avec une noire ironie, Yoshida aborde l’ambition pour celui qui n’est rien d’accéder à une condition supérieure par la seule séduction dont l’espoir obstiné de parvenir se révèle une folle illusion puisque la règle immuable du « à chacun sa place » l’emporte une fois de plus. Les rapports homme/femme de La Fin d’une douce nuit à nouveau très étranges, oscillent entre l’attirance et la répulsion, l’impossibilité d’aveu des sentiments, dans un jeu qui n’est pas sans rappeler Les liaisons dangereuses : cependant subsiste toujours l’écrasante pression des rapports de force socio-politiques qui régissent les corps et les esprits, qui génère le chaos quand les fantasmes d’ascension se heurtent aux sentiments.
Ici, tout se paye. Le héros peut littéralement vendre sa jeune amie, un vieil homme d’affaire acheter la tendresse d’une jeune femme pour tromper son ennui, la fille d’un patron de grand magasin s’offrir un gigolo en la personne du jeune homme aux abois. Au-delà de ces turpitudes, se distingue encore une âme féminine forte et pure ; Yoshida esquisse subtilement une foule de nuances de sentiments insoupçonnés. L’inconstance n’empêche pas de perdre de vue le véritable amour et de se sentir brusquement captivé par le parfum des cheveux d’une femme qui fait oublier pendant quelques instants l’appétit de la revanche sociale et pécuniaire. Plus le héros s’enferme, plus la photo du film s’assombrit. Apparaît déjà un symbole récurrent que l’on retrouvera par la suite : le grillage sur lequel s’accroche les personnages, et qui, en premier ou en arrière plan, rappelle toujours les limites de leur libre arbitre et de l’emprise du destin qui finit toujours par les enfermer.

Pour rebondir sur l’idée du symbole d’enfermement, je noterai celui que représentent la grande roue et les tours de moto. Lorsque Jirô Tezuka est énervé, il se défoule en moto sur un piste circulaire sur laquelle il fait des cercles répétitifs, à toute allure. Comme un hamster sur sa roue, qui court sans avoir conscience de l’absurdité de son action, enfermé dans une cage. De même lorsqu’à la fin du film, dans la plus grande déception personnelle (échec de son ambition sociale), il s’enferme dans la cabine d’une grande roue (trop petite pour lui), répétant le même mouvement circulaire, parfait reflet d’un jeune animal excité tournant en rond dans sa cage.
Ce film est la dernière commande que va lui faire la Shôchiku. Ses films, comme ceux de Oshima, sont jugés trop dangereux - parce que trop personnels et politiques. Privés de la liberté dont ils ont pu jouir auparavant, Oshima se retire de la Shôchiku et Yoshida reste un an sans tourner.

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LA SOURCE THERMALE D’AKITSU
Akitsu onsen - 1962 - 112mn - coul.
Avec Mariko Okada, Hiroyuki Nagato, Sumiko Hidaka, Jûkichi Uno

La source Thermale d’Akitsu (1962) apparaît comme l’immanquable au sein des indispensables. Dans cette histoire d’amour bouleversante Yoshida peaufine son style, en une maîtrise formelle qui laisse apparaître toute la singularité de son génie. L’apparition de la couleur constitue incontestablement une transition esthétique qui lui permet d’expérimenter un sens du cadrage et de la mise en scène étonnants. Mariko Okada apparaît pour la première fois chez Yoshida avant de devenir son égérie : elle illumine tout le film de sa beauté à travers ce sublime personnage d’héroïne qui sacrifie sa vie entière à un amour, ou à une image de l’amour, tandis que la conquête de l’indépendance féminine devient une prison. Il est d’ailleurs curieux de constater à quel point on se rapproche de certaines figures tragiques d’Henry James ou Edith Wharton chez qui celles qui croient se libérer s’enferment dans leur condition et leur destin. Certes l’œuvre de Yoshida accorde aux deux sexes des rapports d’égal à égal, dans lesquels la femme, face à des hommes falots, incertains et timorés, se présentent comme la seule source de vie, d’énergie, de décision, bref d’espoir. Cependant son altruisme et son dévouement à l’autre la condamne à nouveau au statut de victime. Car si elle se libère de sa condition subalterne en s’affranchissant de la norme collective, c’est pour se vouer cette fois-ci volontairement au sacrifice qui la conduit à sa perte.
Cette histoire d’amour a la particularité de se dérouler sur quatorze années, pendant lesquelles les deux héros ne se verront que quatre ou cinq fois. Elle, sera l’éternelle amoureuse. Lui n’aura jamais le courage d’aimer. « J’ai l’impression d’avoir passé ma vie à te voir partir » affirmera t-elle. Le thème de l’absence se fait leitmotiv et partant, celui du retour et de son attente, retour du héros vers la source thermale, retour aux sources. Yoshida ne filme que les moments partagés de ceux qui ne se verront quasiment pas, le reste n’étant qu’ellipse ; il les observe, avec le ravage progressif du temps, au rythme des changements de saisons. Chaque nouvelle rencontre se fait plus douloureuse, la force du personnage de Shinko palilant toujours la faiblesse de l’autre, vivant leur amour pour deux.
A nouveau Yoshida, emploie la figure emblématique du grillage à mesure que les personnages s’enferrent dans leur destin. L’expérimentation formelle sert intégralement la traduction de la sensibilité et de la tragédie humaine ; encadrements en diagonales, scènes perçues derrière des vitres, art des encoignures de portes et des lumières qui percent, le cinéaste multiplie les variations sur les rapports de l’homme à l’espace et sur les changements de points de vue. L’individu fait corps avec le lieu, à l’unisson du spectateur qui parvient lui aussi à éprouver les mêmes sensations et à ressentir la menace du monde. Avec une caméra toujours extrêmement mobile, les travellings latéraux suivent les personnages dans leurs mouvements, leurs courses, leurs essoufflements et épouse leurs errances.
Dans ce chef d’œuvre Yoshida restitue la sensualité des gestes. Les éclairs de beauté frappent au détour d’une nuque ou d’un dos, et le tracé d’un visage à demi dissimulé suffit à saisir l’essence même de la féminité, comme les estampes japonaises excellent à le faire.

Il s’agit-là de la première adaptation de ce cinéaste qui a toujours préféré travailler sur ses propres scénarios. C’est Mariko Okada (grande actrice, muse et épouse du cinéaste) elle-même qui est venue à lui avec insistance et force de conviction, le roman en main. C’est elle qui tenait à cette adaptation, elle s’est même chargée de la production et des costumes. Yoshida accepte, à condition qu’il puisse l’adapter “à sa façon”, qu’il puisse y exprimer son regard personnel. Comme Mariko Okada avait déjà beaucoup d’admiration pour le cinéaste, son accord ne fut pas difficile à obtenir.
Magnifiques sont ces paysages, ces décors, cruelles sont ces ellipses temporelles, fascinante est cette actrice (qui en était déjà à son 100e film...!), intenses sont ces mouvements rapprochés sur la peau, le visage, les mains des personnages pour un film qui laisse des traces indélébiles.

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18 JEUNES GENS À`L’APPEL DE L’ORAGE
Arashi o yobu juhachi-nin - 1963 - 108mn - nb
Avec Tamotsu Hayakawa, Yoshiko Kayama, Gannosuke Ashiya, Yôko Mihara

Avec 18 jeunes gens à l’appel de l’orage (1963), Yoshida confirme plus que jamais son engagement politique et social à travers ce portrait de jeunes gens situés au plus bas de l’échelle sociale et embauchés dans des entreprises de fabrications de bateaux, qui vivent dans des baraquements, vestiges de l’occupation américaine.
Paradoxalement, c’est à travers le réalisme et la noirceur de cette vision contemporaine que Yoshida laisse apparaître le plus d’espoir, car le superbe 18 jeunes gens à l’appel de l’orage raconte l’apprentissage de l’autre, de la haine et du mépris de la classe inférieure au désir de la voir sortir la tête de l’eau où elle s’enfonçait et à accéder à la dignité. Cette foi en l’émergence d’une solidarité qui brisera les barrières entre les hommes fait probablement de 18 jeunes gens à l’appel de l’orage un film ouvertement marxiste. Elément inédit chez Yoshida, les héros y parviennent enfin à donner une réalité à leur amour, et l’homme de dépasser sa simple fonction sexuelle et sociale pour apprendre à être devenir l’acteur d’un destin individuel. La description urbaine nocturne y trahit ses premières abstractions antonioniennes et tout en créant un pendant à La rue de la honte, renforcé par la musique stridente qui accompagne les images.

Toute la violence de cette jeunesse ouvrière utilisée et exploitée par la société industrielle est rendue à la fois belle et ignoble, grâce à une mise en scène, des cadrages et une photographie précis et imposants. Un film unique, qui ne restera que quatre jours à l’affiche, retiré par la suite pour son trop grand engagement politique.

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ÉVASION DU JAPON
Nihon dashutsu - 1964 - 93mn - coul.
Avec Yasushi Suzuki, Miyuki Kuwano, Kyôsuke Machida, Ryôhei Uchida

Avec Évasion du Japon (1964), Yoshida poursuit le tournant amorcé avec La source thermale. Il s’empare du cinéma de genre pour mieux le détruire, et transforme le film policier en schéma d’anti-héroïsme absolu dans lequel l’action n’est qu’un constant mouvement de fuite. Évasion du Japon parachève les recherches formelles amorcées avec La source. Yoshida présente cette œuvre comme « Un film d’action qui s’oppose à l’idée d’action ». En effet, Évasion du japon exprime la détresse de l’homme qui, malgré son intention de rester étranger aux entreprises dont il est le témoin se retrouve malgré lui dans un engrenage inéluctable, et doit subir les conséquences des méfaits d’autrui jusqu’à le contraindre lui-même à la violence. Une fois encore, la force de caractère et l’abnégation des femmes tranche avec la médiocrité et la bassesse masculine. C’est encore l’occasion pour Yoshida de nous offrir un portrait poignant d’héroïne. Évasion du japon confirme cette étonnante place de la faiblesse/fragilité masculine dans le cinéma de Yoshida, qui devient presque un élément de séduction pour la femme, qui se sent le devoir d’aider et de sauver son partenaire… et peut-être de se révéler, en affirmer son identité par l’énergie de celle qu’on voulait toujours réduire à sa place de servante. Évasion du Japon marque un tournant dans l’œuvre du réalisateur par son évolution esthétique, par l’attention plus fouillée qu’il porte à la psychologie de ses personnages, en un regard de plus en plus précis et attendri.

Cette œuvre noirissime constitue en quelque sorte l’apogée de la première période de Yoshida et ouvre la voie à une autre forme d’inspiration. Entre la musique agressive de Takemitsu et les coups de pinceau qui ouvrent et ferment le film, on entre dans une phase qui s’ouvre de plus en plus à l’expérimentation. Le cinéaste y manie les couleurs vives comme un peintre, joue avec les formes, et la géométrie l’espace et son intérêt pour l’abstraction s’amplifie. Le ton rageur et violent exprime le rictus du désespoir tandis que le titre traduit l’impossibilité du salut et une question insoluble : comment un japonais peut-il échapper au Japon ? Évasion du japon est un film d’action passive, dans lequel l’ultime but ne réside dans la force de s’insurger mais l’espoir illusoire de s’enfuir.

Les œuvres de Yoshida présentées dans ce premier coffret témoignent d’une qualité de mise en scène époustouflante et laisse présager la splendeur des années qui suivent. A la fois concerné par les problèmes de son pays et désenchanté, sans jamais alourdir la narration et le romanesque de ces destins brisés, Yoshida s’affirme comme un immense cinéaste des vaincus.

A noter un travail technique (image, son) de Carlotta tout à fait remarquable, restituant parfaitement les univers formels propres à chaque film. En prime, une présentation des films par Yoshida lui-même, et un entretien avec Mariko Okada à propos de La Source thermale d’Akitsu.

Coffret (6 films) édité par Carlotta Films, sortie prévue le 9 avril 2008.

Infernalia est l'auteur du blog cinéphile La Cave aux Crapauds, sa plume est de couleur grise, et la mienne verte!

Top 3

2008-03-26T20:08:00.005+01:00

Petit moment de fierté, ce matin, en achetant le Time Out de Lisbonne (équivalent du Télérama Sortir ou Pariscope)! Dans les pages cinéma, à côté du programme de la cinémathèque, un petit encadré mentionne sa sélection de la semaine : Pérégrinations (le documentaire que j'ai co-réalisé et qui sera projeté à la Cinémathèque de Lisbonne) en fait partie!
Avec Mickael Powell et Buster Keaton en premières positions, nous aurions eu du mal à arriver premiers, mais la fierté d'être sous eux est grande!

Petite traduction :

Notre sélection :
3 Pérégrinations
Cinémathèque, 31 mars, 21h30
Avant-première du documentaire
sur deux vies en transit entre le
Japon et le Portugal, en présence
des réalisateurs.

Yoshida sur la toile

2008-03-25T13:44:00.005+01:00

Un évènement à ne manquer sous aucun prétexte!

Kijû (Yoshishige) Yoshida, un des cinéastes les plus importants de la nouvelle vague japonaise des années 60-70 (aux côtés de Oshima, Teshigahara ou encore Shinoda), a à son actif une oeuvre foisonnante terrifiante de force et de beauté, avec 19 fictions et une centaine de documentaires. Un regard profondément concerné par les réalités sociales, un immense talent pour la mise en scène, un sens du cadrage, une maîtrise de la couleur et du noir et blanc... autant de qualités qui font de lui un grand homme du cinéma japonais.

A partir d'aujourd'hui, et pour un moment, l'intégralité de son oeuvre sera mise sur le devant de la scène française. Le Centre Pompidou, avec l'étroite collaboration de Carlotta Films, lui consacre d'abord une rétrospective intégrale, du 26 mars au 19 mai, en présence du cinéaste et de Mariko Okada, grande actrice et muse du cinéaste avec qui elle travaillera sur beaucoup de films. Suivra la sortie en salle de deux de ses films le 2 avril, La Source thermale d'Akitsu (1962) et Eros+Massacre (1969). Ces deux films, ainsi que Bon à rien (1960), seront également diffusés sur la chaîne Ciné Cinéma à partir du 4 avril.

Enfin, belle cerise sur le gâteau, Carlotta édite trois coffrets (sortie le 9 avril) :
- UNE VAGUE NOUVELLE, oeuvres complètes de Kijû Yoshida - partie 1 (60-64)
Avec 18 Jeunes gens à l'appel de l'orage, Bon à rien, Le Sang séché, La Source thermale d'Akitsu, La Fin d'une douce nuit et Évasion du Japon ;
- CONTRE LE MÉLODRAME, oeuvres conplètes de Kijû Yoshida - partie 2 (65-68)
Avec Flamme et femme, Histoire écrite sur l'eau, Amours dans la neige, Le Lac des femmes et Passion ardente ;
- EROS+MASSACRE, version longue et version cinéma.

Davantage d'informations sur le site consacré à l'évènement, ici.
Et une interview de Tampopo qui a rencontré le cinéaste et Mariko Okada, ici.
Je reviendrai un peu plus tard sur ce sujet avec un descriptif des coffrets Carlotta!

Sejong

2008-03-12T21:05:00.002+01:00

Nouveau restaurant coréen à recommander!

Il s'appelle Sejong (illustre roi de Joseon qui développa la culture et les sciences dans son pays au 15e siècle, et qui inventa le hangeul - alphabet coréen), il s'est ouvert il y a un peu plus d'un an, et est situé entre Madeleine et Opéra. La décoration n'est pas ce qu'il y a de plus attractif, je trouve qu'elle manque de caractère, mais laissons-nous tenter par ses merveilleuses odeurs qui nous enlacent dès que l'on ouvre la porte du restaurant. Le service est très correcte, et la carte intéressante, avec notamment une belle variété de cocottes (cocottes piquante de poireaux et de bœuf, cocotte de kimchi, cocotte de pâte de soja fermenté...). J'ai goûté celle aux poireaux, hum, délicieux : les poireaux, les morceaux de bœuf et les vermicelles ont bien mijotés dans le bouillon/soupe légèrement relevé, c'est fondant et goûteux. J'ai goûté aussi le porc grillé (photo), très bon, le bibimbap et la cocotte de kimchi, très bons aussi. A noter la qualité des banchan (condiments qui accompagnent les plats), les patates douces sucrées, et le tofu frit caramélisé, même si j'ai trouvé le kimchi un peu jeune...
Quant à la fréquentation, je n'ai vu que des Coréens le soir, le restaurant est parfois complètement rempli de tablées coréennes, et plutôt des employés français le midi. Ah oui, parce qu'il faut que je précise que le midi les menus sont particulièrement intéressants! De 9.90 à 12.90 euros avec tout ce qu'il faut pour satisfaire les plus gourmands!
Pour résumer, je dirai que la modestie de son apparence cache la qualité de sa cuisine. Le quartier n'est pas palpitant, mais ce restaurant vaut bien le détour.

Merci Loic pour la découverte!

Sejong
32 rue Godot de Mauroy
75009 Paris
01 42 68 06 54

Animation coréenne

2008-03-11T15:36:00.000+01:00

Découverte d'un très beau court-métrage d'animation coréenne, O-nu-ri, de Lee Sung-Gang, le réalisateur de Mari Iyagi (sorti sur nos écrans en 2003). Il s'agit du dernier court-métrage de l'artiste, réalisé la même année que Mari Iyagi.

Inspiré d'une légende coréenne, l'histoire raconte les périples d'une enfant qui veut retrouver son île qui semble ne plus exister. Autour de ce très jeune personnage, une multitude d'autres personnages étonnants se rencontrent, sur un rythme entraînant, dans des décors joliment inspirés d'estampes, le tout habillé de belles couleurs pastel.

"On m’a sollicité pour faire un court métrage autour d’une légende coréenne. J’ai étudié divers mythes, dont celui d’O-Nu-Ri (littéralement « Aujourd’hui »), qui traite, à travers les aventures de la déesse des saisons, du temps, donc du destin humain. Graphiquement, j’ai cherché une technique picturale liée au sujet, et opté pour une forme de peinture traditionnelle où cohabitent plusieurs perspectives, contrairement à la perspective unique à l’occidentale. Le contraste est important entre le paysage, plat, et la dynamique des personnages, au premier plan. Le message de la légende est qu’en parvenant à s’affranchir de son obsession, on peut devenir libre, car maître de son destin. Ainsi, la jeune fille érudite qui cherche le bonheur dans les livres devient heureuse au moment où elle les abandonne. L’apprenti dragon qui ramasse toutes les perles qu’il trouve sur son passage, devient un dragon accompli quand il les perd. C’est une philosophie très simple du bouddhisme, que j’ai voulu exprimer avec humour. Le mythe en lui-même est très différent, mais j’en ai respecté l’esprit."

Merci Chaneko pour la découverte!

Odyssée de Jazz

2008-03-11T09:26:00.007+01:00

Les Banlieues Bleues, ce sont chaque année une programmation étonnante par son foisonnement, ce sont tout simplement les rendez-vous incontournables du jazz en Seine-Saint-Denis, pour apprécier les grands musiciens comme pour découvrir les jeunes talents. Mais cette édition 2008 est particulière, car Banlieues Bleues fête ses 25 ans. Pour cet anniversaire, le festival sort le grand jeu, en multipliant la richesse de l'évènement.
"Pour vous, et vous aussi, cachés derrière vos canapés-télés, dans vos chambres, bars, salles à manger…. Banlieues Bleues va vous faire sortir avec une série d’événements spéciaux et intrigants, vous réveiller en mélangeant ce qui ne doit pas l’être, vous faire tourner la tête pour découvrir d’autres angles, rencontrer le tout-monde des quatre coins et Quatre chemins, et sans grosse fortune encore. Libérez-vous, par tous les moyens nécessaires !"
Et c'est parti pour 5 semaines de délires mélomanes, du 14 mars au 18 avril... le programme par ici!

Première projection

2008-02-25T11:44:00.005+01:00

Tout a commencé par la découverte, à Lisbonne, d'un salon de thé luso-japonais. C'était il y a un peu plus de deux ans. Avec Nuno, nous avons découvert une relation particulière, datant du 16e siècle, entre les deux cultures. Et nous avons eu envie de l'évoquer à travers un portrait croisé de deux personnes reflétant ce curieux échange.

Notre documentaire s'intitule Pérégrinations, il dure 1h20 et sera projeté à la Cinémathèque de Lisbonne le 31 mars! Un avant goût de cette première avec l'affiche (portugaise) du film et un extrait du programme de l'institution où le film est présenté (cliquer sur l'image pour l'agrandir).

Le Cahier

2008-02-18T23:02:00.001+01:00

J'ai vu ce film il y a plus de deux mois, pourtant les souvenirs que j'en ai aujourd'hui sont restés intacts et intenses. Il était en compétition aux Rencontres Internationales du Cinéma à Paris, et je lui aurais sans aucun doute attribué un prix, si j'avais fait partie d'un quelconque jury. Je parle du film Le Cahier (dont le titre original est plus intéressant : Buddha collapsed out of shame) d'Hana Makhmalbaf, autre fille du grand cinéaste iranien Mohsen Makhmalbaf. Quand je repense à ce film, j'ai l'estomac qui se noue une nouvelle fois. Et j'ai envie de parler de chaque scène. Car si le film est construit sur un petit nombre de séquences, chacune pourrait faire l'objet d'une profonde analyse.

Une phrase du film me revient : "Fais la morte et tu seras libre!"
Cette phrase, prononcée en toute naïveté par un petit garçon, contient toute la force du propos du film...

L'histoire est en apparence assez simple. Dans un village troglodyte d'Afghanistan, une fillette de cinq ans envie son voisin qui apprend à lire, et décide d'aller acheter un cahier pour pouvoir aller à l'école. Mais derrière cette simplicité se cachent des idées d'une grande richesse.

Le climat de la région est très sec et sableux, le vent remue sans cesse des nuages de poussière. La lumière est puissante, au point de nous brûler les yeux. Pourtant, dans la rudesse de ce climat vivote un monde d'enfants, vif et émotif. Le Cahier est complètement filmé à hauteur d'enfant (comme celui de Victor Erice d'ailleurs), les adultes sont absents, et lorsqu'on en croise certains, on les voit mal, ou pas entiers. Nous sommes donc complètement plongés dans le monde tel qu'il est vécu par les enfants de cette région.

Est-ce que Bakhtay pouvait imaginer l'aventure dans laquelle elle se lançait en voulant acheter ce cahier? Pour acheter un cahier, il faut quatre pièces, qu'elle n'a pas. Le jeune épicier lui conseille d'aller vendre les œufs de sa mère pour obtenir cet argent. La séquence où Bakhtay va en ville, et se confronte aux hommes adultes, dans la rue, pour vendre ses œufs, est très forte.
Une fois revenue, Bakhay emprunte le rouge à lèvre de sa mère à défaut de pouvoir s'acheter un stylo, et, sac à l'épaule, se dirige vers l'école. Elle atterrit chez les garçons, où elle n'est pas la bienvenue. Elle trouve enfin une classe de filles, où elle doit se faire sa place, contre la résistance et/ou l'indifférence des autres petites. Cette séquence est aussi incroyable. Sans aucun artifice de mise en scène, dans une frontalité sèche, et d'un réalisme étonnant, Hana Makhmalbaf filme Bakhtay en train de découvrir un cours, les camarades, la vie en société en somme. Elle y découvre la mesquinerie, la complicité, l'agressivité... Mais elle ne tient pas longtemps en place, et se fait renvoyer de la classe.
Sur le chemin du retour, elle se fait prendre en otage par un groupe de garçons qui jouent à la guerre. Ils jouent les Talibans, et elle représente un traitre rangé du côté des Américains. Ils n'acceptent pas qu'elle aille à l'école et qu'elle porte un rouge à lèvre dans son sac. Bakhtay se retrouve alors prisonnière dans une grotte où se trouvent d'autres petites filles, l'une parce qu'elle ne portait pas le voile, l'autre parce qu'elle mangeait un chewing-gum (signe de proximité avec l'ennemi américain). Ces garçons veulent les lapider, comme font les adultes, dans la vraie vie. L'agressivité qu'ils expriment est un effrayant reflet de la violence qui les entoure dans le monde adulte et qu'ils se mettent à imiter, à reproduire. Le voisin de Bakhtay, lui, n'aime pas ce jeu. Mais il n'échappera pas au piège de ces mauvais garçons, lorsqu'il voudra venir en aide à sa voisine. Humilié, il lâche : "Quand je serai grand, je vous tuerai". Certes, ils ne font que jouer. Mais la mise en scène et le jeu des enfants donnent vraiment l'impression que l'action est vécue dans un monde adulte. Comme si toute cette violence était vraie.

La petite Nikbakht Noruz qui joue Bakhtay (photo) est époustouflante. Son petit visage rond, sa petite bouche et ses grands yeux noirs lui confèrent une beauté certaine. Mais une beauté particulière, enfantine, avec toute la naïveté et la fragilité que cela peut représenter. Elle a le nez qui coule, les cheveux pas très bien coupés. Ces imperfections apportent une dimension humaine attachante chez ce personnage qui, finalement, n'est pas simplement "mignon". Son attitude face à ses péripéties et rencontres me bouleverse : elle n'est pas très expressive, comme si elle contenait ses sentiments et ses émotions dans les rondeurs de son visage. Hana Makhmalbaf a dit avoir fait beaucoup de gros plans sur son visage parce que ses yeux ont le pouvoir de contenir tous les sentiments humain. Son voile ne tient pas bien, son sac est bien trop grand pour elle. Mais sa détermination est telle! Son apparente fragilité cachait en fait une force de caractère insoupçonnable. Que ce soit pour vendre ses oeufs, pour se frayer une place dans la classe ou échapper aux vilains garçons, Bakhtay n'abandonne jamais. Mais toujours avec autant de retenue dans ses mots et ses émotions. Ah! Nous avons mal pour elle, mais non, elle est bien plus forte que nous je crois.

Lutter, lutter, et encore lutter.
Bakhtay est dans la lutte permanente, incarnant à elle seule la lutte générale des femmes pour une certaine liberté, la lutte générale contre la dictature sociale et culturelle que les Talibans veulent imposer, en démolissant par exemple les grandes statues de Bouddha. Dénoncer les ravages de la guerre à travers une fable poétique, voilà ce que le film de la très jeune Hana Makhmalbaf (qui réalise ce film a 19 ans seulement) réussit.

Le film sort mercredi prochain, ne laissez pas passer cette perle ...

Muksin

2008-02-17T23:01:00.003+01:00

C'est drôle, trois billets de suite à propos de films dont les personnages principaux sont des enfants! Un hasard complet...
Je voudrais parler de celui-là parce qu'il est malais, et que très rares sont les films malais qui parviennent jusqu'à nos écrans. Surtout que celui-là a de grandes qualités. Il s'intitule Muksin, et est réalisé par une Malaisienne, Yasmin Ahmad, qui en est à son quatrième long métrage. Je veux en parler parce qu'il expose une Malaisie peu conventionnelle, à travers l'histoire (un peu autobiographique je pense) d'une petite famille atypique, influencée par un certain mode de vie et état d'esprit occidentaux : les jeunes parents vivent pleinement leur amour sans se cacher (mais sans impudeur, aucune), la mère s'amuse à parler anglais, leur fille Orked préfère jouer avec les garçons... De quoi faire jaser le voisinage, secrètement jaloux de ne pas pouvoir en faire autant. Le film est fait de petits moments de vie, autour de cette famille, avec beaucoup d'humour et d'ironie. Dans une certaine tranquillité, dans la légèreté, Yasmin Ahmad raconte avec sensibilité l'épanouissement d'une famille qui a choisit le non conformisme. Une famille qui sait se détacher des coutumes, sans pour autant abandonner les traditions qu'elle apprécie.
Pour ceux qui connaissent, j'ai eu une petite pensée pour The Taste of tea, dans la forme du film ; en moins poussé, mais par petites touches poétiques.

Film actuellement en salle.

L'esprit de la ruche

2008-02-12T21:59:00.001+01:00

Voilà un film qui laisse des traces, un film très beau par son étrangeté, son climat (sonore et visuel), son rythme et son propos : L'Esprit de la ruche, de Victor Erice, réalisé en 1973. A sa sortie le film rencontre un vif succès populaire (malgré le fait qu'il ne soit pas spécialement facile à regarder, on peut parler de film "exigeant"), et a été peu à peu oublié au fil des années. On se demande comment cela est possible, étant donné les grandes qualités du film.

L'histoire se déroule dans un village isolé de Castille, dans les années 40. Le climat social est austère, c'est la fin de la guerre civile en Espagne. Mais les enfants sont tous excités à l'idée d'accueillir le forain projectionniste, qui en deux trois mouvements installe une salle de cinéma dans le village et projette Frankenstein, de James Whale. Dans la salle, fascinées par le personnage du film, Ana et sa grande sœur Isabel écarquillent des yeux.

Petit à petit, nous découvrons la famille : deux sœurs (presque) inséparables, un père trop occupé par ses ruches, et une mère occupée par une correspondance épistolaire mystérieuse. Leur maison est habitée par l'austérité, le froid et le silence. Frôlant la mort. Pourtant, deux petites flammes s'agitent comme elles peuvent, et tentent (inconsciemment) de réchauffer leur environnement quotidien, livrées à elles-mêmes. En effet, faute de présence parentale, les deux fillettes laissent libre cours à leur imagination, différente selon la personnalité de chacune, et s'inventent un monde. L'une, Isabel, est plus aventureuse et légère, l'autre, Ana, est plus sombre et réservée.

Le film est raconté et vécu à travers leur regard. Le pouvoir d'identification est pourtant puissant. Grâce à une mise en scène précise. Nous sommes propulsés à la fois dans la complicité des deux sœurs, et dans la solitude d'Ana. Leurs peurs, leurs fantasmes, leur curiosité, leur avidité... tout ces sentiments nous prennent le cœur. Avec elles, on rit, on parle tout bas (cette première scène au coucher dans leur chambre, après la projection de Frankenstein, est superbe), on s'imagine, on vit pleinement notre enfance, face à ces petites actrices qui transcendent la toile.

Parlons un peu de l'aspect formel du film, qui contribue complètement à la force du film. Ce dernier est constitué de plans majoritairement fixes, et les cadres sont tous aussi beaux que des tableaux. Leur composition est très belle. La photographie quant à elle est à la fois sombre et claire, traduisant ainsi la belle dualité du film : lumière dans l'obscurité, obscurité dans la lumière. L'ensemble raconte une histoire où se mêlent rêves, angoisses et surtout poésie, beaucoup de poésie. Sans oublier une musique habitée par la même dualité : innocence enfantine et inquiétude. C'est un film très sensoriel, écrire à son propos fait remonter dans ma mémoire plein de moments sensibles. Ce film est une perle précieuse du cinéma espagnol.

Pour les curieux, le film est ressorti au Champo, toujours par la géniale équipe de Carlotta.

Même en hiver

2008-02-10T22:32:00.001+01:00

Ça y est, c'est arrivé.
On était lycéens, monsieur a décidé de tout lâcher pour essayer de vivre de la musique. C'est Mikou, j'avais raconté son histoire dans ce post, à l'occasion de l'enregistrement de son 6 titres. Je reviens aujourd'hui sur cet ami parce que son rêve s'est enfin quasiment réalisé : un album de 13 titres, illustré de magnifiques dessins (un bravo à Jonas pour son talent de dessinateur), vendu à la fnac, et en écoute s'il vous plait! J'ai pris cette photo à la fnac des Halles : juste en dessous d'Helena Noguerra trône l'album de Monsieur Melon, intitulé Même en hiver. Bravo Mikou, ton parcours est un bel exemple de réussite par la passion et la persévérance.

- Tiens, j'avais pas fait attention, mais les petites lumières bleues allumées sur les côtés montrent que l'album venait juste d'être écouté! -

Mind Game

2008-02-09T10:54:00.003+01:00

La projection inédite (et non la sortie) en France de ce long métrage d'animation était très attendue. Elle faisait office de séance d'ouverture du festival Image par image, pour sa 8e édition dans le Val d'Oise, et le public était au rendez-vous. Le film s'intitule Mind Game, il a été réalisé en 2004 par l'original Yuasa Masaaki qui a adapté le manga éponyme de Robin Nishi.
Yuasa Masaaki a travaillé, entre autres, pour deux séries qui ont accompagné mon enfance : Chibi Maruko chan, un dessin animé très populaire et presque culte au Japon plein d'humour, d'auto-dérision et de cynisme attendri. Et Kureon Shin chan, très populaire aussi, dans un autre style, plus déluré et scato.

Avec Mind Game, Yuasa offre une expérience visuelle étonnante : un mélange de techniques d'animation, des cadrages instables, un mélange de tons sombres pastels avec des couleurs vives et franches, des effets de déformation de l'optique (ou d'étirement exagéré)... Puis une bande sonore riche, mélangeant musiques et ambiances sonores à la fois réalistes et fantastiques. Le tout donne au film un rythme visuel et sonore éclatant, à la fois fin et grotesque.

J'ai cru apercevoir un petit clin d'œil à Kaïro, de Kiyoshi Kurosawa, lorsque les trois héros se retrouvent pris au piège dans la baleine. L'un d'eux voit un mur sur lequel est écrit partout "aidez-moi". Dans Kaïro, nous retrouvons ces angoissantes inscriptions sur le mur de chaque personne disparue... Et puis, ces personnages de Mind Game enfermés et complètement isolés de la société, puisque coincés dans la baleine, prennent petit à petit conscience du bonheur simple que la vie en société peut représenter, avec à la fois ses qualités et ses défauts. Ne serait-ce pas une manière de critiquer un certain enfermement (individuel ou collectif), comme celui qui est propre aux hikikomori, ces jeunes Japonais qui, pris par un certain malaise social, décident de s'isoler totalement en ne sortant plus de leur chambre? Kurosawa, toujours dans Kaïro, dénonçait déjà le danger de la solitude, du repli sur soi. C'est bien sûr ma propre interprétation de Mind Game, mais j'ai ressenti ça très fort, surtout lorsque Nishi crie qu'il n'en peut plus et qu'il veut voir les gens, les méchants comme les gentils, les gros, les grands, les petits, alors qu'à l'image on voit en accéléré l'évolution de la socialisation, comment une ville se construit, des familles se forment, des gens grandissent...

Lorsqu'il a présenté le film, Yuasa nous a conseillé de ne pas trop réfléchir, de voir le film avant tout comme un divertissement. Amusante modestie. Car s'il peut être vu comme une simple distraction, le film est en fait à plusieurs niveaux, il contient aussi en creux une réflexion sur la vie en société. Avec le fort accent et l'humour d'Osaka.

Merci Iva pour la découverte!

Princesse Amnésie

2008-02-06T09:00:00.001+01:00

"Quand j'oublie, c'est une idée qui joue à cache-cache au fond de moi..."

Bon, la description que l'on fait d'elle est extrême : elle manque ses rendez-vous, n'attrape jamais un train à l'heure et se rend au spectacle une semaine trop tôt ou trois jours plus tard. Signe caractéristique, elle oublie tout : qui elle est, qui vous êtes, ce qu'elle fera et pourquoi vous êtes là. Elle n'a pas de mémoire mais à la place un grand trou noir.

Non, je ne suis pas comme ça. La ponctualité, ça me connait. Mais nous avons une chose en commun toutes les deux, ce sentiment désagréable d'avoir la mémoire trouée. Comme un gruyère. Des trous par lesquels vont et viennent les idées, les mots, les noms, les dates et j'en passe. On dit que ça vient avec l'âge... mais c'est arrivé tôt chez moi, comme chez cette princesse je pense. Cette désagréable impression que les choses nous échappent, qu'on arrive pas à les retenir, qu'elles s'évaporent justement quand on a besoin d'elles. C'est souvent que ma mémoire me fait défaut, et ça m'agace. Ce drôle de bonnet que porte la princesse Amnésie m'a touchée, parce que j'ai parfois la sensation d'avoir le même. Pardon à tous mes proches qui sont confrontés à mes trous de mémoire...

En plus, de toutes les (très belles) princesses que Rebecca Dautremer a dessinées, c'est celle-ci que je préfère.

Alexandre Trauner #3

2008-02-05T17:58:00.001+01:00

L'Homme qui voulut être roi, un film de John Huston (1974)

dessin d'Alexandre Trauner
- La gare -

"Finalement nous avons décidé de réaliser le film au Maroc que je connaissais bien et qui offrait beaucoup d'avantages. Il y a une grande ressemblance finalement entre son architecture et celle du Pakistan parce que ce sont deux pays de montagnes et que les matériaux qu'on emploie et les styles qui se forment offrent une certaine parenté.

Le film a constitué une très longue aventure : les repérages, trois mois de préparation à Londres, trois mois de construction, le tournage. Je suis resté dessus un an, mais c'était vraiment un énorme travail. Le plus difficile était la ville qu'il fallait construire de toutes pièces, avec son temple grec. On sait très bien que ce n'est pas au hasard que les Grecs disposaient leurs temples. Ce devait être un endroit magique, une colline bien éclairée par le soleil qui devait produire une vue intéressante aussi bien quand on regardait vers le temple que quand on voyait le reste du pays à partir de lui. C'est pour cela qu'ils se détachaient ainsi dans le paysage. Il fallait faire très attention à la topographie et c'est dans une exploitation d'amandiers que j'ai fini par trouver l'emplacement idéal. Nous y avons donc construit notre temple, avec des éléments pré-préparés dans une vieille conserverie transformée en atelier que nous amenions sur place par une route que nous avions dû tracer spécialement. Une construction de cinéma, en bois, et en plâtre, posée sur des plaques de ciment ancrées dans le sol. C'était très bien exécuté et c'est un bel exemple du travail que le décorateur doit faire par rapport au paysage."

- L'Acropole -

Le mystère HHH

2008-02-03T17:28:00.000+01:00

C'est étrange. J'aime et j'aime pas le cinéma de Hou Hsiao Hsien. Une chose encore plus étonnante, ce sont ses films réalisés à l'étranger que j'aime, et les films taiwanais que j'ai vus que je déteste. De Hou Hsiao Hsien, je n'ai vraiment pas apprécié la sombre lourdeur du climat de Three Times et Millenium Mambo. J'ai ressenti une sorte de prétention dans la manière de raconter. En revanche, j'ai aimé la légèreté et la sensibilité de Café Lumière, film hommage à Ozu, qu'il a réalisé au Japon. Et de même j'ai été sous le charme discret du Voyage du ballon rouge, réalisé à Paris. De la délicatesse, de la douceur, de la tendresse, une finesse dans l'observation qu'il porte pour ses deux cultures étrangères, un rythme particulier, entre le statique et le mouvement (de la ville, de l'intériorité des personnages). Dans le ballon rouge, certaines scènes sont étonnantes de naturel, contenant une belle intensité humaine. Je ne suis vraiment pas fan de Juliette Binoche, mais je dois dire que ce rôle lui permet une belle performance, entre laideur et beauté. Et puis cette babysitt-euse, Song, envers laquelle on peut être hermétique au début, du fait de sa personnalité un peu effacée, mais qui petit à petit se révèle être une présence indispensable et rassurante.

Etrange donc, qu'on puisse à la fois aimer et détester des films du même cinéaste. Je dois tout de même voir les films antérieurs à sa période moderne (comme Le Maître des marionnettes que j'ai très envie de voir), qui me réconcilieront peut-être avec son oeuvre...

Combat Rock

2008-02-03T15:33:00.000+01:00

Au cinéma L'Ecran de Saint-Denis, du 6 au 12 février, un festival qui propose pour sa 8e édition d'explorer tout ce que la rencontre rock et cinéma a pu donner de bon et de meilleur. Au programme, des films classiques, des inédits, des hommages et des invités (Amos Poe, D.A. Pennebaker, Lech Kowalski, Lydia Lunch), des cartes blanches, des rencontres, et bien sûr, des concerts.

Un programme à découvrir absolument : ici

Lumière silencieuse...

2008-02-03T14:41:00.001+01:00

Elle s'appelle Sabine
un film de Sandrine Bonnaire qui m'a beaucoup touchée.

Yoko Tanji #2

2008-02-02T18:58:00.001+01:00

Toujours Yoko Tanji, toujours sur le même site,
et encore pour le plaisir des yeux...

Shoji Ueda

2008-02-01T10:14:00.000+01:00

"Une ligne subtile", tel est le nom de l'exposition consacrée au singulier photographe japonais Shoji Ueda, à la Maison européenne de la photographie.
Influencé par les surréalistes européens, il entreprend dans le Japon des années 30, jusqu'à la fin du siècle, un travail photographique singulier et semblable à aucun autre.
Loin des photographies réalistes, Shoji Ueda met complètement en scène ses sujets. Il compose, joue avec les formes, et introduit des éléments fictifs dans des paysages naturels. Habitant dans la région de Tottori, le photographe profite des dunes qui l'entourent pour s'en servir comme décor. Toujours avec beaucoup de fantaisie, de légèreté, d'humour, beaucoup d'imagination et un sens aïgu de la composition. On dit qu'il ne se prennait jamais au sérieux, qu'il ne voulait pas se prendre pour un professionnel. Et pourtant, un style est né, de par son expérimentation perpétuelle.
J'ai davantage aimé son travail sur le contraste du noir et blanc, développant une véritable poésie des formes. Une dune blanche de neige, des batons en bois noirs, des reflets dans l'eau... des choses qu'on identifie pas tout de suite à moins de regarder la photo de très près. Je crois que c'était là sa principale motivation : s'éloigner du réel, réinventer, dissimuler tout repère concret et réaliste, pour proposer un tableau rêvé.

L'exposition n'est pas très longue, alors il faut en profiter pour aller voir (ou revoir) aussi la rétrospective du grand photographe humaniste Edouard Boubat, dans un style totalement opposé! Le site de la Maison de la Photo : ici.

Sons d'Hiver

2008-02-01T09:25:00.000+01:00

Oui, c'est l'hiver, et oui, on a envie de bons sons, alors on court assister aux concerts du festival qui a lieu chaque année dans le Val de Marne. Comme toujours, une très bonne programmation, à éplucher sur le site : ici

Yoko Tanji

2008-01-27T23:53:00.002+01:00

Nouvelle découverte côté dessin :

Yoko Tanji, une artiste japonaise.
Pour le plaisir des yeux...
Son site : ici

Complètement cinglés

2008-01-27T23:17:00.000+01:00

Ce week-end se tenait la 21e foire des Cinglés du cinéma à Argenteuil : une plongée vertigineuse dans la sphère des passionnés de cinéma. Trois salles étaient nécessaires pour accueillir tous ces marchands de rêve : vieilles affiches, photos, cartes postales, bobines, caméras, projecteurs, coupeuse-colleuses, scopitones... et j'en passe, des stands interminables de petits ou grands trésors du cinéma. Des masses d'affiches pliées dans lesquelles il fallait plonger son nez pour y dénicher la perle. Il y avait des objets de collection, qui coûtaient très cher. Mais il y avait aussi des bobines de bandes annonces à 2 euros. Pierre Etaix était dans les parages, je regrette de ne pas avoir amené mon poster de Mon Oncle pour lui demander une dédicace... Dans le public, des particuliers, curieux, cinéphiles, et des professionnels, des fouineurs qui savent ce qu'ils cherchent. L'ambiance était très simple et modeste, bon enfant, propice à de belles rencontres.

Je recommande vivement cette agréable balade cinéphile. Présentation de l'évènement sur le site de la ville, ici.

photo : Nuno

Alexandre Trauner #2

2008-01-21T00:57:00.002+01:00

Hôtel du nord, un film de Marcel Carné (1938)
dessin d'Alexandre Trauner

"Les gens se sont souvent demandé pourquoi nous allions construire en studio l’Hôtel du Nord alors qu’il existait bien réellement sur le quai. Ce qu’ils n’ont pas compris, c’est que nous n’aurions pas pu tourner sur le quai. Nous aurions pu voler quelques plans à l’aube, mais impossible d’obtenir l’autorisation d’arrêter la circulation pendant les semaines de tournage. Lucachevitch, le producteur, un homme plutôt dur en affaires l’a bien compris et plutôt que d’essayer de rogner sur les décors au risque de nuire au film, il a vraiment misé sur eux, sur leur côté impressionnant. Un soir par exemple, il a invité tout Paris à une grande réception dans le décor entièrement illuminé. Pour éclairer un décor comme cela, il fallait énormément de lumière et c’était assez féerique. Son idée, c’est que le décor lui coûtait cher mais qu’au moins il se remboursait par de la publicité gratuite. Dans le fond il avait raison : ce décor a fait beaucoup de bruit et beaucoup de gens sont venus le visiter. Je me souviens d’y avoir vu Picasso, avec Zervos, l’éditeur des Cahiers d’art. Il venait régulièrement voir mes décors et était très curieux de la relation entre les maquettes et le décor fini. Moi, je crois beaucoup qu’il faut compter avec la réalité, que le décor ce n'est pas seulement les éléments que nous amenons mais aussi l’ensemble de ce que nous trouvons : où la lumière est située, comment elle descend. Le soleil devient un élément du décor, mais il faut savoir l'utiliser, dans un axe donné, à un moment donné."

Autre regard

2008-01-19T23:13:00.000+01:00

Voilà un petit livre bien original dans son approche, qui change des traditionnels carnets de voyage sur le Japon, ce mystérieux pays qui fascine et qui rebute tant de gens.

Nadège Fougeras s'envole pour le Japon avec un aller simple : retour dans trois ans (son mari y est muté). De là-bas (Tokyo), elle raconte à son entourage resté en France ses découvertes quotidiennes, par l'intermédiaire de mails illlustrés avec ses propres photos. De ces délicieux mails, elle a fait ce livre, Allo... la terre? Ici Tokyo, une sorte de book-mail, semblable à un blog, mais qu'on peut lire dans le métro ou à la terrasse d'un bistrot.

"Voilà un condensé d'impressions sur un pays pas comme les autres dans lequel j'ai aimé vivre."

Il y a une chose que Nadège Fougeras dit à plusieurs reprises dans ses mails : elle aurait aimé parler d'Ikebana (art floral), du théâtre Nô, du Bunraku, de la calligraphie ou encore de la cérémonie du thé, pour que ses amis puissent en apprendre sur la culture japonaise (des "trucs intelligents et culturels pour que vous puissiez en parler lors de vos dîners"). Mais elle avoue qu'elle ne sait pas faire, et que, surtout, elle n'a pas pris le temps d'aller à un cours d'Ikebana ou de cérémonie du thé. Et c'est tant mieux pour nous, justement, car c'est en ça que son regard et ses notes se détachent des autres récits sur le Japon.

Elle ne parle effectivement pas de Kabuki, mais du métro de Tokyo qui devient sous sa plume un vrai monde à part, avec ses règles et ses habitudes. Elle ne parle pas des temples, mais de la particularité de la présentation de la météo sur les télévisions japonaises, incroyable. Elle ne parle pas non plus de manga, mais de l'ingéniosité des Japonais qui veulent rendre tout pratique... Ce sont des détails, beaucoup d'observations très justes, et beaucoup de sensibilité qui s'expriment à travers ces lignes. Un regard qui lui a finalement permis de gommer les a priori qu'elle avait avant de venir. Beaucoup de fascination, tout en restant critique. Et surtout, beaucoup d'humour.

Alors, je me demande si ce livre n'est pas à conseiller avant tout à tous ceux qui ont déjà été au Japon, et qui reconnaîtrons des tas de choses, drôles, amusantes, ou dérangeantes qu'ils ont eux-même observées. Ce livre s'éloigne radicalement du style "guide touristique", il porte un regard bien plus personnel, à la fois affectueux et ironique, sur le pays et ses habitants.
Ce qui m'a le plus touché, c'est que son regard m'a été complètement familier, semblable au mien, à quelques exceptions près. Ce qui compte, c'est de sentir à quel point elle s'est plongée dans la culture (pourtant si différente), et imprégnée de ses particularités avec beaucoup de justesse (qui ferait qu'au bout de quelques années elle deviendrait japonaise, contrairement à ces -affreux- expat' qui ne cherchent pas à cerner le fond de la culture du pays qu'ils habitent).

Un petit livre simple, modeste, mais à lire absolument par ceux qui sont déjà allés au Japon!

Alexandre Trauner

2008-01-19T13:13:00.001+01:00

Le Quai des brumes, un film de Marcel Carné (1938)
dessin d'Alexandre Trauner

Alexandre Trauner est un grand chef décorateur de cinéma. On lui doit entre autres les décors de la plupart des films de Marcel Carné, mais il a aussi travaillé pour des cinéastes comme Bertrand Tavernier, Luc Besson ou encore Claude Berri, et a fait une brillante carrière aux Etats-Unis auprès de Howard Hawks, Billy Wilder, Joseph Losey, Orson Welles et d’autres. Son travail en texte et images...

A propos de Quai des brumes : "Nous avons tourné au Havre les extérieurs du port avec les vrais bateaux. Pour la rue où se trouve la boutique de Zabel et où Gabin est tué à la fin comme pour celle où se trouve l'espèce de beuglant où la jeunesse de la ville vient s'encanailler, tourner dans les vraies rues du Havre posait bien plus de problèmes que d'en inventer une en studio. Construite sur un plateau, elle est juste dans ses dimensions et pittoresque à la fois, exactement adaptée à nos besoins, possible à éclairer et on n'a pas besoin d'attendre la nuit pour y tourner."

Lumière silencieuse

2008-01-10T17:51:00.001+01:00

Je n'avais pas vu Japon, ni Batalla en el cielo, du très jeune réalisateur mexicain Carlos Reygadas, mais je découvre son cinéma avec Lumière Silencieuse, son troisième long-métrage. Mes pensées sont complexes vis-à-vis de ce film, mais une chose est certaine : il m'a surprise, interpellée. Heureusement, je n'avais vu ni bande annonce, ni photos du film avant de le voir ; juste l'affiche. Alors, j'ai tout pris dans la figure, la force du film, l'atmosphère, la photographie, l'univers sonore, les personnages, l'histoire...
Attention, impatients s'abstenir. Car c'est dans la (grande) lenteur du rythme que se développe toute l'intensité du film. Certains comparent Reygadas à Tarkovski, ou Dreyer. En tout cas, de tous les derniers films récents que j'ai vus ces dernières semaines, Lumière silencieuse est celui qui m'a paru le plus riche d'un point de vue cinématographique.